Mittlerweile hat das Akkordeon sämtliche Allgemeinplätze zeitgenössischer Musik erobert. Man findet das "Klavier des kleinen Mannes" längst nicht mehr allein in den Sparten Volksmusik und Chanson. Es ist ebenso in der Rockmusik präsent, in der Moderne (der Tango hat hier in seiner klassischen Eleganz die Symphoniesäle dieser Welt erobert), im Kammerjazz und in der freien Improvisation anzutreffen. Luciano Biondini ist ein virtuos verbindendes Glied zwischen den beiden letztgenannten. Er kann sowohl von der melodischen Seite an eine Komposition herantreten, und sie im Laufe des Spiels ähnlich einem Anatomen in seine Einzelteile zerlegen - und wieder zusammensetzen. Er kann aber auch aus der freien Improvisation heraus eine Melodie entwickeln, sie flüchtig skizzieren, um sie anschließend wieder in dicken Tontrauben zu versenken. Wären diese Momente seines Agierens nicht tontechnisch konserviert, wären sie aufgrund ihrer Spontanität unwiederbringlich verloren.
Bei der vorliegenden Aufnahme "Senza Fine" liefen in der Alten Kirche von Boswil, westlich von Zürich gelegen, die Bandmaschinen präzise. Luciano Biondini hat sich für seine Soloeinspielung ein herausforderndes Repertoire zusammengestellt. Populäre italienische Volksweisen wechseln mit Eigenkompositionen und Filmmusik. Es ist eine vollmundige Musik, eine Musik, die trotz mancher Reduzierung und Melancholie das Leben feiert, eine mediterrane Leichtigkeit verströmt. Selten zuvor hat sich Biondini solistisch derart intensiv mit den Schlagern und Canzoni seiner Kinder- und Jugendzeit beschäftigt. Man spürt seinen Bezug zu diesen Liedern, seine emotionale Nähe. Und mit dieser Hingabe plus seiner brillanten Spieltechnik gelingt ihm dieses vorzügliche Album, das alles besitzt, was wir uns von der Musik wünschen: Sehnsucht und Erfüllung, Freude und Schmerz, Großzügigkeit und Mäßigung, Disziplin und ein sich treiben lassen. Wohin auch immer. Ein berührendes Album.
Jörg Konrad, KultKomplott, Deutschland, 17. August 2015

Frank von Niederhäusern, Kulturtipp, Schweiz, September 2015

Mit Senza Fine (Intakt CD 255) schwelgt LUCIANO BIONDINI in den Schlagern und Ohrwürmern seiner Kindheit, einer italienischen Kindheit. Die Lieder, die Fiorenzo Carpi 1971 für Le avventure di Pinocchio geschrieben hat, beschallten seine Wiege. 'Senza fine' und das wehmütige 'Che cosa c'è' von Gino Paoli, einem der Erz-Cantautori, pfiffen die Spatzen von den Dächern. Von Domenico Madugno, der Ende der 50er mit 'Volare' berühmt geworden war und der sich auf seine alten Tage für die Radicali Italiani engagierte (ähnlich wie Paoli bei der KPI), stammen 'La lontananza' und der Tränenquetscher 'Tu sì 'na cosa grande', dessen Walzernatur Biondini verwischt. Mit 'Non ti scordar di me' hatte Beniamino Gigli 1935 im Film "Vergiss mein nicht" die deutsch-italienische Achse beschmalzt, Pavarotti und Domingo ließen den Schmachtfetzen nicht verrotten, Biondini kehrt seine Melancholie hervor. So trifft er auch den Grundton von 'Cinema paradiso', 1988 Morricones Titelmelodie für Giuseppe Tornatores nostalgischen Herzensbrecher. Pino Danieles 'Napule è' von 1977, das zu Neapel gehört wie der SSC, wird dagegen, Kitsch hin, Melodienseligkeit her, durch Tempo etwas entsülzt. Biondini kostet mit dem Akkordeon alles Blau der Gefühlsskala rund ums Mare Nostrum von Sizilien über Rom bis Cannes weidlich aus. Das italo-französisch-argentinische Temperament und Feeling, das Richard Galliano mit seinen Musettes Neuve und Tangos Nuevo aus dem Akkordeon quetschte, ist auch für Biondini die Teigmasse, in der er die Lust auf Kitsch und die Angst vor falschen Gefühlen umformt in Pasta, mit der er einen päppelt und verwöhnt wie eine Mamma. Bei Mirabassi, Abou-Khalil und Balducci und mit Rita Marcotulli oder Godard & Niggli ist seine Stimme eine von zweien, dreien oder vielen. Hier hat er es allein in den Händen, sich diese Leihgaben und drei eigene Stücke vorzuknöpfen und kapriziös zu schillern und zu quieken, virtuos zu trillern und zu zucken, opulent zu rauschen und melodientrunken zu flöten, dass die Lust auf Lust und die Sehnsucht nach Glück endlos sind.
Rigobert Dittmann, Bad Alchemie, BA 87, 2015

Dev'essere stato ben alto il pedaggio di credibilità e d'immagine sborsato in termini d'impegno (e d'ingegno) da parte dei praticanti della fisarmonica in jazz, mediamente accolti alla stregua di eccentrici freak: se una ricerca di medio approfondimento sortisce l'elenco di una quarantina di "affermati" talentuosi (pur tuttavia dei titolati sconosciuti per i più) avremmo dovuto attendere la rivoluzione non tanto gentile, anzi piuttosto volitiva, operata dal vigoroso Astor Piazzolla, sia pur con le alleggerite meccaniche del bandoneon e con le assai incisive effusioni danzanti.
La svolta, dunque lasciava campo e piste aperte alla generazione dei Saluzzi e dei Galliano (quest'ultimo particolarmente citato nel background dell'album) che avrebbero funto da estetici garanti, nemmeno tanto dopo, ad una generazione di nuove e pienamente attive personalità.
Tali premesse si palesano comunque di poca e punta utilità e in nulla ostano il puro piacere dell'ascolto e della fluenza comunicativa di un ormai indiscusso talento dello strumento a mantice, che dall'etichetta elvetica riceve carta bianca per un programma dedicato in prima lettura alla "grande melodia italiana", di fatto rivisitando in forma di spirituale trait-d'union eterogenei materiali flottanti nella memoria collettiva.
Conferendo a tutti i brani corpo ed anima individuali, le attitudini alla cantabilità e al volo del solista rendono piena giustizia e fruibilità alla sequenza: dal trasversalmente apprezzato Gino Paoli a quel Modugno di cui è recente la riscoperta in termini autoriali, traendo perché no materiali del buon vecchio Pinocchio televisivo (guarda non tanto il caso, già medesima sorgente ispirativa del duo Coscia-Trovesi) per digradare in arcinote ballads a firma Pino Daniele o Morricone, senza comunque cedere ad ammiccamenti da luogo comune, anzi reinventando il risaputo, e incastonando con ricchezza il tutto entro una dinamica tarsia che è frutto di alacre lavoro e sensibilità.
Da labili falene ad impetuose fiammate sonore, imbevuti di lirismo blues ed a pieno agio entro varie forme jazz (con funzionale ricorso a soluzioni di gusto minimalista), le fraseologie e il portato inventivo di Luciano Biondini trascendono sovente l'aggettivazione verbale, per librarci su una dimensione in cui polifonia eloquente e senso della pura sorpresa guidano con efficacia orecchio ed immaginazione in libertà.
Aldo Del Noce, Jazzconvention, Italia, 21. Sept. 2015

Ulrich Roth, Jazzpodium, Deutschland, Oktober 2015

CD-Tipp: Luciano Biondini: Senza fine
Melodienselige Italo-Melancholie auf dem Akkordeon

Das Akkordeon, oft als altmodisches Schifferklavier denunziert, erlebt seit einigen Jahren eine regelrechte Renaissance. Auf Jazz- und Weltmusikbühnen ist es längst ein gern gesehener Gast, zuletzt etwa beim Gala-Doppelkonzert der Jazzahead mit Richard Galliano und Vincent Peirani. Zu den gefragtesten Akkordeon-Interpreten zählt auch Luciano Biondini, der mit "Senza fine" – zu deutsch "Ohne Ende" ein neues Solo-Album veröffentlicht hat.

Bereits als Zehnjähriger begann der in Umbrien geborene Luciano Biondini Akkordeon zu spielen, wohlgemerkt die klassische Variante. Als Jugendlicher heimste er einen Virtuosenpreis nach dem anderen ein, legte schließlich mit 19 Jahren die verrufene Quetschkommode zur Seite und arbeitete lieber in einer Fabrik.

Verrufene Quetschkommode versus Jazzavantgarde
Nach fünf Jahren Bedenkzeit kramte er das Instrument wieder hervor und begann 1994 eine zweite Karriere. Sein Vorbild: der Italo-Franzose Richard Galliano, der das Akkordeon längst aus den Fängen biederer Volksmusik befreit und in Jazzkreisen etabliert hatte.

Auf "Senza Fine" befaßt sich Biondini nun mit den Schlagern seiner Heimat, vorzugsweise von den 1960ern bis in die 1980er Jahre, etwa von Domenico Modugno. Dessen legendäre Songs wie "Volare" oder "Ciao, ciao, bambina" sind ja auch hierzulande Evergreens. Biondini knüpft sich derweil zwei weitere, ebenso schwärmerische Liebeslieder von ihm vor.

Im Rausch italienischer Schlagermelodien
Luciano Biondini berauscht sich geradezu an den Melodien ohne dabei in kitschige Rührseligkeit abzudriften. Seine swingende Jazzphrasierung verhindert allzu volkstümelndes Schunkeln, zugleich sprudelt der Ausnahmeakkordeonist vor Spielfreude und schwelgt in Kindheitserinnerungen.

Da waren zum Beispiel die Fernsehfilmmusiken von Pinocchios Abenteuern, deren klanglicher Schönheit sich Biondini bis zum äußersten hinzugeben scheint. Wer da keine Gänsehaut bekommt, mag wirklich kein Akkordeon!

Nur selten, insbesondere bei einer Eigenkomposition, wagt sich Biondini in experimentellere, geräuschhafte Gefilde. Solche Passagen sind indes die Ausnahme. Biondini hängt viel zu sehr an den harmonisch-versöhnlichen Klängen und stellt seine Virtuosität und Ausdrucksstärke ganz in den Dienst der Melodie.

Besser als so manche Heldentenorversion
Das Album ist für Akkordeon-Freaks eine wahre Sinnesfreude und bedient zugleich den gemeinen Italien-Liebhaber, etwa beim gut 100 Jahre alten Klassiker "Non ti scordar di me", "Vergiß mein nicht". Biondinis beseelte Interpretation braucht den Vergleich mit keiner Heldentenorversion zu scheuen.

Andreas Kisters, www.radiobremen.de, 5. Oktober 2015, Deutschland

Martin Schuster, Concerto Magazin, Oktober/November 2015, Österreich

Domenico Modugno und Gino Paoli waren in den 60ern richtige Stars des italienischen Liedermachertums, quasi Cantautori der ersten Stunde. Auf seiner neuen Platte hat der Akkordeonist Luciano Biondini dieses Kulturgut, das primär beim Songfestival in San Remo an der Riviera angesiedelt war, ausführlich gewürdigt. Dazu kommt noch ein wenig Filmmusik von Fiorenzo Carpi und eine Nummer des großen Ennio Morricone. Die Schlager werden von Biondinis Akkordeon solo in einen neuen recht angenehm leicht zu hörenden Kontext gesetzt. Viel Sentiment, viel Italianita, zweifellos höchst virtuos intoniert. Insgesamt vielleicht ein wenig zu viel Quetsch'n, an die Einspielungen Biondinis mit dem argentinischen Saxofonisten Javier Girotto recht das Ganze nicht heran, an sein Trio mit Michel Godard und Lucas Niggli schon gar nicht. Als Erinnerung an die letzte Ferragosta ist die Aufnahme allemal geeignet.
haun, Freistil, November 2015

Richard Butz, St. Galler Tagblatt, 16. Sept. 2015

Ruedi Ankli, Jazz'n'More, Schweiz, November 2015

Guido Diesing, Jazzthetik, 11/12 2015

Onde tunger vil ha det til, at definisjonen på en gentleman, er en som kan spille trekkspill, men lar være! Men det tror jeg må være før man har hørt Luciano Biondini!

Han kommer fra Italia, og har vært å høre tidligere på flere plater og prosjekter bl.a. sammen med klarinettisten Gabriele Mirabassi og oudmesteren Rabih Abou-Khalil, pluss at han har vært å høre på Intakt tidligere sammen med tubaisten Michel Godard og trommeslageren Lucas Niggli («Mavi» og «What Is There What Is Not»..

På «Senza Fine» tolker han i hovedsak komposisjoner fra 60- 70- og 80 tallet, gjort av andre komponister som bl.a. Gino Paoli, Fiorenzo Carpi, Domenico Modugno, Enrico Bonaccorti, Roberto Gigli og andre. Vi får til og med tittellåta fra filmen «Cinema peradiso» av Ennio Morricone mot slutten, før det hele ender opp med Pino Danieles «Napule è».

Biondini er en av de få mestere av Europeisk trekkspillmusikk. Han er en musiker som mesterer jazzen like godt som folkemusikken og hans musikalske røtter ligger godt plantet i hjemlandet, Italia, og i Middelhavs-regionen. Musikken på «Senza Fine» er tilegnet hjembyen Spoleto i Umbria-provinsen.

Musikken er i hovedsak melankolsk, men hele veien usigelig vakker. Biondoni er en mester på trekkspillet, og hele veien merker man en styrke og vitalitet i det han gjør, både i melodiene og i improvisasjonene. Og spesielt vakkert blir det mot slutten, da han gjør «Cinema paradiso».

En innspilling ikke bare for venner av trekkspillet, men også for de som har sans for for eksempel Dino Saluzzi og hans like.

Jan Granlie, Salt Peanuts – a pan-Nordic/Baltic website, 13. august 2015

Né le 1er janvier 1971 à Spoleto, Luciano Biondini fait partie, aux côtés de Richard Galliano, Jean-Louis Matinier ou Vincent Peirani en France, de Gianni Coscia et Antonello Salis en Italie ou Tuur Florizoone chez nous, de ces musiciens qui ont rendu toutes ses lettres de noblesse à ce que certains appellent le « piano du pauvre », en révolutionnant à la fois ses répertoires et sa technique de jeu. S'il a principalement été révélé au grand public au travers de sa collaboration avec le joueur d'oud Rabih Abou Khalil (« Morton's Feet », avec Giovanni Mirabassi et Michel Godard), Luciano Biondini s'est aussi révélé un partenaire idéal au sein de duos empathiques : avec le saxophoniste argentin Javier Girotto, le trompettiste italien Fabrizio Bosso, le contrebassiste français Renaud Garcia Fons ou sa compatriote Rita Marcotulli (splendide album « La Strada Invisible »). La complicité avec ses partenaires est particulièrement palpable en concert live. Que ce soit avec Javier Girotto (Festival Jazz Brugge 2010) ou Rita Marcotulli (Jazz Brugge 2014), c'est les yeux dans les yeux avec le partenaire qu'il joue, c'est dans le regard de l'autre qu'il lit sa partition. Mais Biondini est aussi un véritable expert du solo comme le montre ce « Senza Fine » enregistré en décembre 2014, pour Intakt, label suisse pour lequel il avait déjà gravé les albums « Mavi » et « What's There What Is Not », en trio avec Michel Godard (tuba, serpent, basse électrique) et Lucas Niggli (batterie). Au travers de cet album solo, Biondini revisite, de manière très personnelle, une série de grands succès de quelques chanteurs-compositeurs populaires italiens, ces « cantautori » qui ont inspiré Paolo Fresu, Enrico Rava ou Tiziana Ghiglioni (son album dédié aux chansons de Luigi Tenco, en compagnie de Gianluigi Trovesi et Paolo Fresu). C'est le cas de Senza Fine, qui donne son titre à l'album, et Che cosa c'è, chansons écrites par Gino Paoli dans les années 1960 et typiques de l'âge d'or de la chanson italienne, celui du Festival de San Remo. Il reprend aussi La lontananza et Tu si'na Cosa Grande de Domenico Modugno, l'auteur des légendaires Volare et Ciao, Ciao Bambina; des titres de Fiorenzo Carpi, comme ce Gepetto composé pour « Le Aventure Di Pinocchio »; d'Eugenio De Curtis (Non Ti Scordar Di Me qu'interpréta notamment Luciano Pavarotti); de Pino Daniele (Napule è) et le thème central de « Cinema Paradiso » écrit par Ennio Morricone. A ces thèmes populaires, viennent s'ajouter trois courtes compositions de Biondini (Stagione, Libero 1, Libero 2) qui s'inscrivent parfaitement dans cette volonté de trouver son inspiration dans cette tradition populaire ancestrale si typique du bassin méditerranéen. Si parfois Biondini se limite à interpréter la mélodie stricto sensu (In Cerca Di Cibo, La Lontananza, Napule è), il la développe souvent de manière totalement personnelle, en la prolongeant dans de surprenantes improvisations (les quelque deux minutes trente de Senza Fine, Che cosa c'è ou Lucignolo passent à 5 à 6 minutes). Il fait alors preuve d'une étonnante indépendance entre les deux mains : il réussit cette performance de jouer la ligne mélodique d'une main, tout en répétant en parallèle, de l'autre, un motif obsessionnel de basse, tel un bourdon. Parfois, la mélodie s'accompagne d'un motif rythmique, en utilisant le corps de l'accordéon comme instrument de percussion (Libero 1). En fait, que ce soit sur tempo lent (Cinema Paradiso) ou rapide (Napule è, Senza Fine), il se dédouble pour dialoguer avec lui-même. Un album gorgé d'émotion.
Claude Loxhay, Jazzaround, Belgium, Nov 24, 2015

The title of this irresistible disc comes from the iconic song of the legendary Italian songwriter, Gino Paoli. The lyrics though beautifully suggested are not really missed thanks in large part to the utterly beautiful and husky tomes of Luciano Biondini's reedy accordion. Further the thirteen-piece disc might easily be said to chart the future of the irrepressible joie de vivre of the accordion. Mr Biondini's fingers splayed across the buttons of this wonderful instrument employ subtle tempo fluctuations and strategic accents that help give shape and dimension to the music's harmonic richness. In addition Mr. Biondini's melodic pointing and vocally oriented phrasing prevent the relentless toccata-like patterns melded into the folk elements of the music from sounding the least bit mechanical and 'notey', an achievement easier said than done on this instrument.

Italian music is not so much a form or an idiom as it is a texture and if you assemble some of the most memorable music from composers of that country and hear it played by one of the great players on the accordion you might run the risk that a certain sameness might prevail. Happily that's not the case here. Once again Luciano Biondini proves his reputation as a provocative yet immensely thoughtful programme-builder. His two part invention Libero is one of those masterpieces that go a long way into making a case for Mr. Biondini as being a prime innovator on this wonderfully romantic instrument. The chart in question is so beautifully written that it is hard to any accordion player not wanting to include it in his or her repertoire; the delightful skitterings of the lively dance-like movements also make it an ideal encore, its captivating personality adding to its irresistible charm.

Charm and personality reveal themselves in how freely yet naturally and logically these musical offerings unfold. The variety of moods that this music inspires also makes for a record that is truly memorable. Sinuous melodies are dance-like and it is easy to imagine the music drawing partners together in steamy embrace on and off the dance floor. The high spirits and torrid emotions of the music that unfolds from Luciano Biondini's accordion can be savoured in all of the pieces especially in the rhythmically zestful Geppetto as well as in the beautifully vocal and melismatic Cinema Paradiso.
The pleasures of this music can be attributed not only to Mr. Biondini's absolute virtuosity on his instrument but also to the colourful arrangements. These are wondrous mixes of melody and harmony played by one of the foremost exponents of the accordion as well. Throughout the disc this young maestro plays with the depth of sonority and rhythmic gusto that this music demands whether it is played in a night club, concert hall, or – as is the case here – in a recording studio where Senza Fine is captured by extraordinary engineering mastery by Willy Strehler for the superb Swiss label Intakt Records.

By Raul da Gama, JazzdaGama, Dec 28, 2015

Les disques qui vous ont (peut-être) échappé durant l'année passée
de Jean Buzelin , Culturjazz, France, 31 janvier 2016  

Nous continuons à écrémer les étagères où se sont réfugiés, durant l'année 2015, nombre de disques fort intéressants, lesquels ont dû patienter avant de faire l'objet de ce simple article d'information qui, je le rappelle, n'est en aucun cas une revue critique.
Nous commencerons par l'un des plus beaux labels indépendants européens, Intakt, maison suisse fondée il y a 30 ans par Patrik Landolt et qui, pour l'occasion, a édité un catalogue comprenant la reproduction en couleurs des 253 CD édités durant cette période. Lorsque l'on feuillette ce catalogue, on est frappé par la cohérence de la collection, les choix effectués, les risques assumés, et le suivi de nombreux artistes qui, en toute confiance du producteur, apparaissent régulièrement, certains depuis les tout débuts : Irène Schweitzer, Barry Guy, Günter Sommer, Pierre Favre, Elliott Sharp, Sylvie Courvoisier, Lucas Niggli, Alexander von Schlippenbach… puis Aki Takase, Fred Frith, Ingrid Laubrock, Ulrich Gumpert… les Américains Anthony Braxton, le Trio 3, Tom Rainey, Marylin Crispell… et tous ceux dont vous avez pris connaissance si vous avez eu la gentillesse de suivre mes chroniques.

Le guitariste Fred Frith apparaît dans deux duos improvisés très différents, l'un avec Barry Guy, « Backscatter Bright Blue » (Intakt 236), l'autre avec la Danoise Lotte Anker, qui explore toutes les possibilités de ses saxophones, « Edge of the Light » (Intakt 237). Il rejoint ensuite la pianiste Katharina Weber et le batteur Fredy Studer dans une séance d'improvisation libre, tendue, tantôt nerveuse, parfois bruitiste (dans le sens "musique contemporaine"), et, sommes toutes, peu lyrique, malgré l'intense "swing libre" du grand Fredy Studer : «  It Rolls » (Intakt 248).

La pianiste Aki Takase dialogue, quant à elle, avec le violoniste Ayumi Paul, qui travaille habituellement dans le champ classique et contemporain. L'atmosphère de leur disque se situe dans un esprit très "milieu du XXe siècle". Ainsi sont évoqués Satie ou Stravinsky, mais Bach et Mozart ne sont pas oubliés non plus. Mais qu'on ne s'y méprenne pas, il s'agit de création musicale, et de la plus belle manière qui soit : « Hotel Zauberberg » (Intakt 244)
(OUI, on aime !).

Le Schlippenbach Trio est un groupe de briscards de la free music, le pianiste et ses compères Evan Parker (ténor sax) et Paul Lovens (batterie) jouent ensemble depuis 45 ans ! Mais les uns comme les autres ont évolué et pris du recul ; ce n'est plus le free dévastateur des années 70, et leurs quinze pièces directement improvisées sont à la fois très différentes et parfaitement cohérentes. On appréciera particulièrement le jeu lyrique et "coltranien" de Parker. Trois géants : « Features » (Intakt 250).
Ulrich Gumpert, lui aussi un vétéran, fut l'un des grands pionniers de la nouvelle musique est-allemande à l'époque où il n'était pas facile de franchir le mur ! Il est entouré ici de trois musiciens plus jeunes avec qui il joue régulièrement, notamment le saxophoniste Jürg Wickihalder, dont nous avons déjà parlé, toujours proche de Steve Lacy. Un excellent et réjouissant disque de jazz : « A New One » (Intakt 257).
Le Omri Ziegele Billiger Bauer Nonet comprenant deux saxophones (Omri Ziegele et Jürg Wickihalder), la pianiste Gabriela Friedl, un trombone, une guitare, une basse électrique, une contrebasse et deux batteries qui accompagnent les vocaux de Isa Wiss, me laisse par contre un peu sur ma faim. Malgré la qualité du travail, ces « 15 Herslider » mêlent texte et musique de façon un peu alambiquée (Intakt 247). Je n'accroche pas non plus à l'univers de la chanteuse Sarah Buechi, et à sa voix éthérée, certes parfois persuasive, mais aux tonalités très égales dans un genre que j'appellerai "jazz folk libre et souple", même si je dois reconnaître l'intérêt des textes et la qualité du travail musical : « Shadow Garden » (Intakt 259).
Autre saxophoniste suisse déjà connu dans ces colonnes, Christoph Irniger, accompagné par Raffaele Bossard (basse) et Ziv Ravitz (drums), joue une musique très fine qui manque peut-être d'accents et de contrastes mais n'exclut pas une certaine densité. Cela vient en partie du jeu maîtrisé, plutôt linéaire et sans aspérités du saxophoniste qui possède un grand sens de la mélodie. « Octopus » (Intakt 253) est un toutefois un beau disque.

Et l'on retrouve la pianiste Irène Schweizer, artiste N°1 du catalogue – sur les huit premiers disques, sept lui sont consacrés, dont le 001 – qui affronte en duo le grand percussionniste Han Bennink, genre de confrontations auxquels ils se sont rendus maîtres. Changements de rythmes, incessantes relances, drumming foisonnant… parcourent ces dix improvisations et quatre reprises. Quelle fraîcheur ! Quand on pense à tous ces "jeunes" musiciens et chanteurs qui jouent avec application la musique de leurs grands-pères. Rien ne vaut les grands-parents originaux, « Welcome Back » en est une preuve irréfutable (Intakt 254)
(OUI,on aime !).

Aly Keïta (balafon, kalimba) est Ivoirien, Lucas Niggli (percussions) et Jan Galega Brönnimann (clarinettes et saxo soprano) sont tous deux nés au Cameroun et amis d'enfance. La réunion des trois aboutit à un vrai travail d'écoute, de compréhension et d'improvisation – rien à voir avec une pseudo world music superficielle et opportuniste. Une musique entraînante, agréable – pourquoi pas ? – et vraiment originale : « Kalo-Yele » (Intakt 261).

Déjà auteur de deux disques en trio (avec Niggli et Michel Godard), l'accordéoniste italien Luciano Biondini se présente cette fois en solo et réinterprète – il compose également – une série de belles mélodies populaires italiennes, en jouant sur la tradition folklorique méditerranéenne et l'improvisation jazz ; toute la nostalgie poétique que véhicule cet instrument quand il est si bien joué se retrouve dans « Senza fine » (Intakt 255) (OUI, on aime !)
(OUI, on aime !)

Un volet important de la production Intakt est réservé aux musiciens américains, de générations et de communautés différentes, parmi les plus intéressants au niveau de l'engagement, de la recherche musicale, de l'honnêteté artistique et de l'idée qu'ils se font de leur travail.
Familier du label avec le Trio 3, le saxophoniste Oliver Lake rencontre cette fois le contrebassiste William Parker, soit, d'un mot, le tranchant de l'alto face à la basse profonde, et d'un autre, la création qui s'appuie sur la grande tradition afro-américaine. Ils sollicitent ainsi Marvin Gaye et poursuivent avec une série de duos d'autant plus intenses – l'un porte le nom de notre regretté ami Jacques Bisceglia – qu'ils sont encore sous le choc de la disparition, survenue cinq jours avant la séance, de leur ami le trompettiste Roy Campbell. D'où le titre de leur album : « To Roy » (Intakt 243). C'est également un plaisir de rencontrer, pour la première fois sur Intakt, le grand saxophoniste ténor Chico Freeman pour un autre duo avec un contrebassiste, Heiri Känzig, musicien suisse né à New York – il joue dans le trio de Harry Sokal – dans une expression plus "coulante", moins free si l'on veut. On savoure ce double plaisir, en retrouvant le beau et solide son du ténor lyrique et de grande tradition, en particulier dans les ballades où il excelle : « The Arrival » (Intakt 251).
Poursuivons par une série de trios avec, tout d'abord, celui d'Aruan Ortiz, musicien d'origine cubaine résidant à Brooklyn. Ce pianiste de 42 ans a déjà une carrière riche et variée, à Cuba, en Espagne et aux États-Unis, tant dans la tradition afro-haïtienne que dans les formes ouvertes des musiques contemporaines. On remarquera notamment le travail harmonique et rythmique, avec une dynamique et une pulsation propres et des rythmes complexes avec lesquels le batteur Gerald Cleaver fait toujours merveille. Le bassiste Eric Revis étant également excellent, cela donne un disque particulièrement réussi et réjouissant, un vrai et rare bonheur : « Hidden Voices » (Intakt 258)
(OUI, on aime !).

Le niveau reste haut avec le trio Open Loose du contrebassiste Mark Helias, avec Tony Malaby (sax) et Tom Rainey (drums), un trio très ouvert qui existe depuis 1996, et demeure constamment en recherche. Une belle musique, bien écrite et impeccablement jouée : « The Signal Maker » (Intakt 245).
Dans un esprit assez voisin, Tom Rainey prend les commandes en s'entourant de la saxophoniste Ingrid Laubrock et de la guitariste Mary Halvorson, deux musiciennes dont nous avons souvent vanté la qualité et l'originalité. Au jeu très maîtrisé, parfois un peu "plaintif" et au discours sinueux de la première, s'ajoute celui, extrêmement intéressant, en particulier dans la manière de jouer avec des accords inusuels de la seconde. Les improvisations collectives qui, dans un cadre très ouvert, progressent en intensité pour déboucher sur un post free recherché, sont le résultat d'un travail de groupe qui évolue depuis plusieurs années. Une musique forte qui s'écoute : « Hotel Grief » (Intakt 256). Les mêmes, plus Kris Davis (piano), John Hébert (basse) et, à deux reprises, Oscar Noriega (clarinette) forment le Ingrid Laubrock Anti-House dont nous avons déjà parlé. Une vraie famille musicale qui se concentre sur les compositions, très modernes et ouvertes aux passages libres, de la saxophoniste : « Roulette of The Cradle » (Intakt 252).
Et une troisième pour Mary Halvorson, en duo "intimiste" avec le contrebassiste Stephan Crump. Les compositions de l'un ou de l'autre, très contemporaines, se remarquent par leurs qualités mélodiques. Grâce à son utilisation très fine et mesurée de l'amplification, la guitare, sous les doigts de Mary Halvorson, est parmi ce qui se fait de mieux sur l'instrument à l'heure actuelle (avec Joe Morris) : « Secret Keeper » (Intakt 249)
(OUI, on aime !).

Enfin, nous sommes toujours heureux de retrouver ce beau duo de vingt ans, Marilyn Crispell (piano) et Gerry Hemingway (batterie, percussion, vibraphone), qui ne s'attache qu'à l'essentiel : une musique totale, remarquable et passionnante : «  Table of Changes » (Intakt 246). …
Jean Buzelin , Culturjazz, France, 31 janvier 2016