Here's one meeting of refined minds that doesn't result in complacency. Drummer Moholo-Moholo, (known formerly by just the single surname) and pianist Marilyn Crispell have put in countless hours fashioning music from out of nothing other than the moment. They bring that wealth of experience to bear here in music which is by turns joyously unpredictable and provoked into being by the imperative of that moment.
The opening "Improvise, Don't Compromise" reads like a manifesto commitment, albeit one far less dispensable than the empty promises of politicians. It's also the sound of two musicians coming together. Crispell is almost tentative as she nags at a line, momentum developing as her thoughts coalesce. This is not however to suggest that Moholo-Moholo is merely an accompanist in this process. His cymbal work in particular is that of a drummer for whom lightness of touch is now second nature and the overall result is that of two musicians coming together in service of the greater force that is their chosen medium of expression.
The track is as such a manifesto promise in itself, and what follows is trenchant proof of their commitment. On the aptly-titled "Journey" there's nothing in the way of hyperbole; the sound of improvisation in its purest form is instead the order of the day and the scarcely audible vocal interjections of both musicians have an effect similar to that of drummer John Stevens' similar contributions to various line-ups of the Spontaneous Music Ensemble. Crispell follows an established precedent in going under the piano lid in search of additional colors and succeeds in coaxing out dead, near-percussive sounds. The music takes on a feeling of foreboding brought on by her subsequent work at the lower end of the keyboard, Moholo-Moholo adding to the atmosphere in his own way.
"Reflect," at least in its initial passage, is the sound of the dynamics being stripped right back regardless of the way in which Moholo-Moholo establishes momentum almost from the off. Crispell responds to it in a manner that's far from predictable, coming on like an abstract Lennie Tristano in the way she spins out sometimes seemingly endless lines only for them to fall victim to silence. Taken on its merits, the resulting space might almost be an integral part of this music-in-the-making, the creative processes behind it in thrall to the demands of the moment as well as the evolving dialog.
Nic Jones, All About Jazz, USA, Novemer 9, 2008

Kazue Yokoi, Jazz Tokyo, November, 2008

Bill Meyer, The Wire, London, November 2008

Es ist noch reduzierter, doch mindestens so reichhaltig: wie das Duo Piano-Drum in 7 Stücken von Sekunde 1 an eine sagenhafte Spannung und Dynamik aufbauen und halten kann, ist absolut faszinierend. Nachdem Moholo 2004 aus dem Londoner Exil wieder nach Kapstadt gezogen war, gab es einige Wiedertreffen mit der europäischen Improv-Community, doch das erste Treffen mit Crispell - hier dokumentiert in einer außerordentlich klaren, frischen und begeisternden Aufnahme - fand tatsächlich erst 2007 in Baltimore statt. Pulsierend, völlig frisch und unverkrampft, nicht kopflastig, keinstenfalls aber kopflos, dafür komplett kongruent in den Kraftlinien - so lässt sich diese außerordentliche Begegnung auf den Punkt bringen. Eine definitive Sternstunde der konzentriert entfesselten freien Musik.
"made my day" by HONKER, Terz, Deutschland, November 2008

Als LOUIS MOHOLO-MOHOLO 2005 nach Cape Town rücksiedelte,
so wie andere mit 65 in Rente gehen, schien es sein
wohl endgültiger Abschied von der Szene zu sein. Aber entgegen
dieser Befürchtung ist der Schlagzeugveteran und mit
ihm der gute Geist der Blue Notes, Brotherhood of Breath, Viva-
La-Black und des Dedication Orchestra auch diesseits des
Äquators so präsent und aktiv wie lange nicht. Heuer etwa
mit Frode Gjerstads Circulasione Totale und einem Programm
in memoriam Johnny Dyani & John Stevens in Moers
und tags zuvor in Stavanger, letztes Jahr mit Gjerstad im Trio
oder einem Quartett mit D. Burrell & W. Parker. Dabei bot sich
in Baltimore die Gelegenheit zu einem jungfräulichen Meeting
mit MARILYN CRISPELL, dokumentiert als Sibanye (We Are
One) (Intakt CD 145). Um etwas derartig Erstmaliges abzuschätzen,
vergleiche ich es unwillkürlich mit Moholos Butterfly
& Bee-Duetten mit dem Gitarristen Roger Smith und dem
Drums-Piano-Klassiker, den er 1987 mit Irene Schweizer einspielte,
genau 20 Jahre nach seiner Ankunft in London 1967
und 20 vor Baltimore 2007. Diese Zahlenspielerei verblasst
jedoch vor dem Zauber der Klänge, vor Moholos Rolls und
Ticklings, flink federnd, ständig animiert treibend, doch nicht
so manisch und insektoid wie im Plinkplonking mit Smith, und
vor Crispells entgegenkommender Imagination, die bei
'Phendula (Reply)‘ sogar eine hymnische Township-Melodie
(er)findet. Damit erweist sie direkt dem Sound Referenz, den
Moholo als einer der 'Scatterlings of Africa‘ aus den Shebeens
von Sophiatown mitgebracht hatte. Was bei ‚Improvise,
Don‘t Compromise‘ nur implizit in ihren quick gehämmerten
Arpeggios mitschwingt, und beim groovenden 'Moment of
Truth‘ exaltiert hin und her springt, wird, nachdem Moholo bei
'Journey‘ die Geister seiner einstigen Weggefährten Mongezi
Feza, Chris McGregor und Dudu Pukwana angerufen hat,
schon auf dieser 'Reise‘ zur Reminiszens an Mannenberg und
African Market Places. Crispell gibt sich dann bei 'Soze
(Never)‘ und 'Reflect‘ wieder quasi'Schweizerisch‘ und das
Titelstück zum Ausklang prägt sie mit einem sich allmählich
hochschraubenden Motiv, dem Moholos noch einmal besonders
fiebriges Drumming den entsprechenden Auftrieb gibt.
Rigobert Dittman, Bad Alchemy, Deutschland, November 2008

Only once in a great while does a recording come along that influences my thoughts on creativity, sound and spirituality in music. "SIBANYE" (We Are One), duets with Louis Moholo-Moholo and Marilyn Crispell, is one of those recordings.
Confronted with the racist oppression of apartheid in South Africa, Moholo-Moholo immigrated to Europe in 1964 and became a significant influence on the direction of jazz and creative music in Great Britain and throughout Europe. Now at the age of 68, he continues to create music that celebrates the spirit of freedom while "SIBANYE" also provides a critical argument in his belief that music is the "healing force of the universe".
Then there is Marilyn Crispell, who in the past year has blossomed into a new realm, reaching new spiritual levels and creative dimensions that few ever get to experience. She is an artist best heard and experienced live, but "SIBANYE" might finally be the recording that reflects the power, grace and beauty of the music and spirit that is Marilyn Crispell.
Each composition begins as a journey with both musicians always intensly engaged, treading slowly and softly with uneven tempos and rhythms, at times reaching tidal wave proportions of sonorous power and emotion.
And while new duets don't always mesh, in this essential recording, Moholo-Moholo respectfully creates underlying African feels and textures while avoiding clichés, allowing Crispell to freely glide vertically and horizontally through the textured but open space. She has the gift of selecting the right note, the right color when listening to silence, painting powerful and dynamic phrases while gracefully interacting with Moholo-Moholo's rhythmic canvas.
As is the case with most great recordings, this one has an energy and intensity from the first note to the last and will remain a timeless testament to the human spirit. It doesn't get much better than this.
Lloyd Peterson, All About Jazz USA and Squids Ear, November 2008

Hans-Jürgen von Osterhausen, Jazzpodium, Dezember 2008

Erfinden kann man ja eh nix mehr, alles hat seine Tradition, auch wenn, sagen wir, die Kombi Klavier und Schlagzeug nicht unbedingt das wirkungsmächtigste Format der Jazzgeschichte ist.
Auf dem Schweizer Label Intakt ist sie freilich stark vertreten, denn dort hat die Pianistin Irène Schweizer gleich ein halbes Dutzend solcher Einspielungen veröffentlicht – unter anderen mit Louis Moholo, der sich jetzt Louis Moholo-Moholo nennt und mit Marilyn Crispell am Klavier das Duo-Album „Sibanye (We are One)“ eingespielt hat.
Wer annimmt, dass hier das Schlagzeug die Beatführerschaft übernimmt, der irrt. Auch wenn sie zunächst zart swingen, folgen die Drums in der Art des Improvisierens eher dem Klavier als umgekehrt.
Crispells voluminöse Cluster und ihre sich zu Klangflächen verdichtenden Patterns sind kein ruhiges Fahrwasser, mitunter gewinnt man den Eindruck, dass hier zumindest eine Hand zu viel im Spiel ist: Wenn das Klavier sich zu ozeanischer Hymnik aufrafft (etwa auf „Journey“), will man dazu allenfalls Charlie Hadens Bass, aber nicht unbedingt ein Schlagzeug hören.
Klaus Nüchtern, Falter, Wien, 22.Oktobe 2008

The spirit of discovery and a sense of joy are palpable on this extraordinary first encounter between South African drummer Moholo-Moholo and pianist Crispell. They almost instantly find that they are free to go wherever they please in one another’s company, and the music quickly grows expansive and adventurous. Moholo, weaves rhythms freely over a foundation of stated, or more often, implied South African rhythms, which sound out from the bass drum like the thumping of his heart. Crispell mines her recently discovered vein of deep lyricism to heartbreaking effect, paying attention to the shape and color of her notes and chords, weighing silence and sound, and breaking into energized flourishes over the keyboard when tempos pick up. From the start, they sound eager to create and explore, and thoroughly pleased with their partner’s contributions to the joint musical enterprise. Moholo conversationally tosses quick snickety rim shots into the silence between Crispell’s chiming notes, while Crispell’s 88 tuned drums sound like an extension of Moholo’s traps. Sometimes they follow parallel paths, looking up from their work and waving hello to each other with a soft cymbal splash or brilliant note cluster. The music is buoyant, almost giddy with the sheer joy of creation. Unexpected confluences and serendipitous incidents crowd one another as they play. On “Moment of Truth,” drum and piano sound like extensions of each other and Crispell’s dissonant chords have rarely sounded so ravishing. “Journey” begins with Moholo mournfully intoning the names of his dead mates in the Blue Notes—Mongezi Feza, Dudu Pukwana, Chris McGregor— as Crispell accompanies with dark, funereal chords. But sorrow gives way to beauty half way through, as Crispell improvising flowers into some of the most rapturous music she’s ever recorded and Moholo’s pulse quickens and floats. On “Soze (Never)” Crispell locks onto Moholo’s bass drum pattern and they roll and tumble over it in nearly physical joy. “Phendula (Reply)” melds gospel and blues to South African beats then stretches and pulls the initial ideas into ever more abstract patterns. But it’s the sense of sudden recognition, of baring hidden sadness and sharing common joys, of genuine surprise and gladness that lifts this performance beyond the mere mechanics of free improvisation into something majestic and touchingly human. A tremendous album.
Ed Hazell, pointofdeparture, USA, December, 2008

These two titans of jazz-based improv had never played together before last year and their first meeting results in one of the greatest jazz discs of the year. As one would expect, this is a completely free improvisation but it’s so chock full of those circular post-Cecil motifs at which Crispell excels that you get swept up in the music’s internal logic. Both players have tremendous rhythmic dexterity but Crispell revels in this opportunity to lay down some heavy flurries and spontaneous melodies, which remain just this side of maudlin. Moholo-Moholo sure doesn’t play like someone in his mid-70s; his overall attack is lighter but this just brings out the myriad subtleties in his playing while remaining fleet. He is imbued with such swing that Crispell’s clusters gain major momentum; the duo setting allows him to really focus on tone as well. The dark cymbal work of “Improvise, Don’t Compromise” and the inquisitive, delicate tom work on “Reflect” are two instances where Moholo shows us something new, even after more than 40 years of recording. But the true triumphs of this record are the frequent supercharged energy interchanges found in “Moment Of Truth” and “Phendula,” where the combination of rhythm and melody is a physically joyous experience.
David Dacks, Destination Out, Dezember 2008

Rolf Thomas, Jazzthetik, Deutschland, Dezember 2008

Jacques Denis, Jazzman, France, Dezember 2008

Sobre sus inicios
NOBU STOWE: Por favor, háblanos de tus antecedentes musicales. He leído que no empezaste a tocar jazz hasta los 28 años.
MARILYN CRISPELL: Bueno, me casé cuando estaba en cuarto año de conservatorio. Estuve casada seis años. Cuando me casé, no tocaba música. Y tras separarme conocí a otro hombre con el que viví durante tres años. Este hombre era pianista de jazz y tenía una colección de discos increíble. Su colección estaba centrada en gran medida en el jazz “moderno”.
NOBU STOWE: ¿Por ejemplo?
MARILYN CRISPELL: Cecil Taylor, Ornette Coleman…
NOBU STOWE: Así pues, tenía una mayoría de discos de jazz de vanguardia y free…
MARILYN CRISPELL: Sí, y era una música que me encantaba… Podía ver la conexión entre esa música y la que yo componía, que era “clásica contemporánea”. Tienen una estética similar. Una noche en que mi compañero había salido del apartamento, puse A Love Supreme (Impulse), de John Coltrane. Y sucedió algo. Fue experiencia increíble… Todo mi mundo cambió esa noche.
NOBU STOWE: ¿Debido a A Love Supreme?
MARILYN CRISPELL: Sí, por la música que escuché esa noche. Sentí que ése era el propósito de mi vida, ya sabes: “¡tengo que tocar esa música!” Así que esa noche me convertí en músico de jazz… bueno, sólo en mi fuero interno. Encontré a un profesor en Boston, Charlie Banacos… Daba clases en Berklee, en Boston. Pero cuando le contacté, ya no era profesor del conservatorio: daba clases privadas.
NOBU STOWE: ¿Era pianista?
MARILYN CRISPELL: Sí, era pianista y sus estudiantes tenían que tocar jazz tradicional. Estudié con él dos años, aunque no estaba interesada en tocar un estilo tradicional.
NOBU STOWE: ¿Tradicional?… ¿Te refieres a pianistas como Bill Evans?
MARILYN CRISPELL: Me gusta Bill Evans, pero me interesaba más la vanguardia. Sin embargo, consideraba que era importante aprender la “tradición”. Es una cuestión de respeto conocer al menos un poco de su historia…
NOBU STOWE: ¿Te refieres a la historia del jazz?
MARILYN CRISPELL: Sí, la historia, la tradición, algo así…Así pues, estudié jazz tradicional con ese profesor durante dos años. Luego conocí a un saxofonista que también estudiaba entonces en Berklee. Era Charlie Mariano.
NOBU STOWE: ¡Ah!, Charlie Mariano…
MARILYN CRISPELL: Charlie me dijo: “debes ir a Woodstock. Allí hay una escuela donde tocan el tipo de música en el que estás interesada”. Se refería a la escuela de Karl Berger.
NOBU STOWE: ¿El Creative Music Studio de Karl Berger?
MARILYN CRISPELL: Sí… Karl tenía un estudio y una escuela fantásticos. Por desgracia, el Creative Music Studio ya no existe: cerró en los ochenta por falta de dinero. Pero ahora están reuniendo los archivos de todos los conciertos que tuvieron lugar allí.
NOBU STOWE: Así que te mudaste a Woodstock… ¿Y cómo entraste en contacto con Anthony Braxton? ¿Una vez que te instalaste en Woodstock?
MARILYN CRISPELL: Bueno, cuando me mudé a Woodstock y empecé a estudiar en la escuela, Braxton era uno de los profesores y también vivía allí. Me escuchó tocar en un taller y me propuso tocar con él.
NOBU STOWE: ¿Esto fue a finales de los setenta?
MARILYN CRISPELL: Creo que fue hacia 1977. En la escuela, cada profesor traía su propia música y tocaba con varios conjuntos a lo largo de la semana. Al final de la semana, había un concierto a cargo del profesor con los estudiantes. Braxton y yo tocamos un concierto a dúo y, al final de dicho concierto, anunció: “esta es mi nueva pianista”.
NOBU STOWE: ¿Y así entraste a formar parte de su grupo?
MARILYN CRISPELL: Sí. Me convertí en la pianista de su Creative Orchestra que se fue de gira a Europa poco después. Y fue mi primer trabajo profesional con él.
NOBU STOWE: ¿Habías tocado como músico profesional antes?
MARILYN CRISPELL: La verdad es que no… Algún concierto y alguna que otra cosa. La gira con la Creative Orchestra fue mi primer bolo profesional, mi primer viaje a Europa. Yo tenía 30 años. Cuando entré a formar parte del cuarteto de Braxton, Gerry Hemingway era el batería. John Lindberg fue el bajista durante un tiempo y luego Mark Dresser le sustituyó. Y el cuarteto permaneció junto alrededor de diez años.
NOBU STOWE: ¿Qué aporto a tu música, conceptualmente, la experiencia de tocar con Anthony Braxton? ¿Qué aprendiste?
MARILYN CRISPELL: Un sentido de la composición, un sentido de cómo utilizar el espacio y el silencio, de cómo tocar en un grupo… Cómo escuchar, también el concepto de que “diferentes cosas pueden suceder a la vez”, aunque yo ya seguía este concepto antes de conocer a Braxton. Por ejemplo, cuando dos personas tocan un “solo” a la vez, cada uno escucha la música del otro pero no depende de lo que hace el otro. Cuando estudiaba en Peabody (instituto de música de Baltimore), para ir a clase pasaba por un parque junto al conservatorio. En primavera y en verano, las ventanas del conservatorio estaban abiertas. Se podía oír a la gente practicar por separado todo tipo de cosas y yo me encontraba en medio de todos estos sonidos. Me encantaban esos sonidos y todas esas cosas que ocurrían a la vez. En cierto modo, para mí todos esos sonidos estaban conectados entre sí.© 2008 Hirohiko Kamiyama
NOBU STOWE: ¿Como un “collage”?
MARILYN CRISPELL: Sí, como un “collage”: si ves el conjunto, cada sonido está relacionado. Aunque originalmente cada sonido no estuviera conectado con los demás, los sonidos se habían conectado entre sí y creado un “conjunto”. Pero la violinista en una sala no escuchaba al pianista en otra sala. Era una violinista que practicaba por su cuenta. Pero cuando un observador caminaba por el parque y oía todos esos sonidos independientes, cada sonido pasaba a estar interconectado y creaba una nueva música. Yo y Braxton compartíamos ese concepto.
NOBU STOWE: También has dicho que aprendiste de Braxton cómo escuchar a los demás.
MARILYN CRISPELL: Sí, aprendí como escuchar en un conjunto.
NOBU STOWE: Me pregunto cómo el concepto del “collage” es compatible con el hecho de tocar de forma colectiva en un grupo, basado en la capacidad o en el concepto de “escucharse entre sí”…
MARILYN CRISPELL: Bueno, mientras ocurre esto del “collage”, tienes que escuchar a los demás. Es decir, que escuchas lo que tocan los demás pero, al mismo tiempo, tienes que ser “independiente”. Por ejemplo, si tocaba algo demasiado parecido a lo que Braxton tocaba, él me decía: “¡no, no, toca algo distinto!”
NOBU STOWE: ¿Y si tocas demasiado “out”? Me refiero a algo demasiado “independiente” o “desconectado” de lo que los demás tocan. Me da la impresión de que para lograr este concepto del “collage”, los músicos no pueden estar demasiado alejados de los demás. Es decir que, para desarrollar el concepto del “collage” en su totalidad, cada elemento que emite un sonido debe compartir una especie de “territorio común”. Cada músico en el grupo debe seguir, más o menos, “la misma página”.
MARILYN CRISPELL: Sí, por ejemplo, a veces Braxton decía: “ahora voy a tocar un solo de saxo y por detrás de este solo tu tocas la parte de piano que está escrita”. Así pues, había dos solos a la vez. Al igual que cuando acompañas, escuchas dentro de esa situación concreta… Pero al mismo tiempo, no es como escuchar cuando estás acompañando de un modo tradicional.
NOBU STOWE: Por lo tanto, es un modo de “escuchar” diferente a “escuchar mientras acompañas”. Como sabes, también toco el piano e improviso. Cuando improviso con otros músicos, a menudo siento frustración porque tengo la impresión de luchar con otros “solistas”. Me parece bien que todo el mundo improvise o realice solos de un modo independiente pero, salvo si se establece una especie de “orden” en la música, de forma casual o intencionada, las improvisaciones colectivas o independientes a menudo conducen a un “caos desorganizado” o a notas aleatorias, lo que para mí es antimusical (opuesto a un “caos organizado”). Pero estas improvisaciones por separado pueden ser puestas en un contexto “común” –basado en la acción de “escuchar”– para lograr un significado musical colectivo… el concepto del “collage”.
MARILYN CRISPELL: Sí, hay que lograr escuchar lo que están tocando los demás y tocar tu propia improvisación al mismo tiempo.
NOBU STOWE: Entiendo. Aunque la improvisación de cada músico debe ser independiente, las improvisaciones individuales en un conjunto, y en un momento determinado, deben integrarse en un contexto colectivo.
MARILYN CRISPELL: Sí.
NOBU STOWE: De acuerdo. Me gustaría hacerte otra pregunta: tras 20 años de… ¿Cuándo dejaste de tocar con Braxton?
MARILYN CRISPELL: Ah…Al principio de los noventa. Pero no me fui. Braxton decidió que teníamos que hacer algo distinto porque el cuarteto ya llevaba demasiado tiempo en funcionamiento. Por entonces el grupo ya había grabado 12 discos. Creo que tenía esa sensación que ocurre cuando conoces a alguien demasiado bien: como grupo nos habíamos vuelto demasiado previsibles. Yo no estoy de acuerdo. Para mí es como en una relación: si convives con alguien durante diez años, algunas cosas pueden volverse muy previsibles, pero también sabes lo que el otro va a decir al despertarse, por ejemplo. En cierto modo compartes cierta capacidad “telepática”. Considero que llegas a ese punto y luego puedes ir más allá, cada vez más lejos. Pero creo que mucha gente no tiene la paciencia de ir lejos. Y a mí, al igual que los demás miembros del grupo, me defraudó mucho cuando Braxton nos anunció su decisión y disolvió el cuarteto. Quedé sumamente defraudada.
NOBU STOWE: Lo que dices me recuerda a Keith Jarrett. Como sabes, Keith mantiene su trío con Gary Peacock y Jack DeJohnette desde hace 25 años. En la entrevista que le hice, pregunté a Keith qué haría si le ocurría algo a Gary o Jack. Me dijo que no sabía lo que haría, porque ese trío es totalmente único y no podría sustituir a ninguno de los dos.
MARILYN CRISPELL: Sí, son insustituibles. Sabes que toco con Paul Motian…
NOBU STOWE: Sí, iba a preguntarte por él…
MARILYN CRISPELL: No creo que pudiera sustituir a Paul en mi trío… Pero, por supuesto, nadie puede sustituir a Mark Helias o a Gary Peacock. Son muy diferentes y completamente únicos.
Sobre ECM
NOBU STOWE: Ahora que has mencionado a Paul Motian… En tus primeros tres discos para ECM, tocaste con Paul. ¿Fue elección tuya o…?
MARILYN CRISPELL: Sí, fue elección mía. Ya había tocado con Paul antes de grabar mi primer disco (Nothing Ever Was, Anyway con Gary Peacock al contrabajo) para ECM. Paul tocó en un disco mío anterior, Live in Zurich (Leo Records), con Reggie Workman. Siempre me había gustado la música de Annette Peacock, mucho antes de grabar mi primer disco para ECM. El hombre que me introdujo en el jazz tenía algunos discos de Paul Bley que incluían composiciones de Annette Peacock. Escuché esos discos y descubrí la música de Annette. Me gustaban las composiciones de Annette porque me recordaban la música clásica de vanguardia, la música con la que ya estaba familiarizada. Pero tenían algo más. Annette es autodidacta, y esa es una de las razones que hace que sea tan original y única. Me enteré de que se había mudado a Woodstock, así que la llamé y nos hicimos amigas.
NOBU STOWE: Así pues, Annette también vive en Woodstock.
MARILYN CRISPELL: Sí, y un día, se me ocurrió realizar un disco con composiciones suyas. Pensé hacerlo a piano solo. Pero luego pregunté a Paul (Motian) si quería participar.
NOBU STOWE: ¿Era una idea para ECM?
MARILYN CRISPELL: No. Todavía no sabía a qué compañía ofrecérselo. Le conté la idea a Annette y me dijo: “Gary (Peacock) sería el candidato perfecto para el bajo… Gary vive a una hora de aquí, puedo preguntárselo.”
NOBU STOWE: ¿Siguen en contacto?
MARILYN CRISPELL: Sólo se hablan de vez en cuando. No están enemistados ni nada de eso… se siguen llevando bien. El caso es que pensé que era un proyecto muy bueno para ECM. Yo no había grabado para ECM, pero tampoco había tenido antes un proyecto adecuado que proponerles. Pero esta idea parecía apropiada. Así que envié un fax a Manfred (Eicher). Le dije que tenía un proyecto con Paul Motian y Gary Peacock para grabar composiciones de Annette Peacock. “Quería ofrecértelo a ti primero, por si te podía interesar”. Y cuatro horas más tarde me dijo que sí. Así empezó todo.
NOBU STOWE: ¿Conocías ya a Manfred?
MARILYN CRISPELL: No.
NOBU STOWE: ¿Cómo se ha reflejado la influencia de Manfred Eicher en los discos que has grabado para ECM? Tus grabaciones anteriores eran más vanguardistas que tus discos recientes para ECM. ¿Refleja este cambio el “enfoque” del productor sobre tu música?
MARILYN CRISPELL: Bueno… Esta es una historia un poco larga. En 1992, viajé a Escandinavia por primera vez y toqué en un festival en Suecia. En dicho festival pude escuchar a muchos músicos escandinavos. Allí escuché a Anders Jormin, un fantástico contrabajista, y también a Barry Guy por primera vez. La música que tocaron los músicos escandinavos me conmovió. Me afectó muy profundamente, me transmitió un sentimiento de gran ternura, maravilloso…
NOBU STOWE: ¿Tocaban una música de raíz más folclórica?
MARILYN CRISPELL: Sí, a veces parecía música del folclore escandinavo…
NOBU STOWE: ¿Con el tipo de melodías que toca Jan Garbarek?
MARILYN CRISPELL: Sí. La música escandinava tocó una fibra muy íntima dentro de mí… Algo que estaba esperando o que necesitaba ser despertado. Creo que ese fue el comienzo de la “transformación” de mi música hacia un aspecto más melódico. Así pues, escuché esa música y, dos años después, me volvieron a invitar para tocar con músicos suecos. Elegí a Anders Jormin y a Raymond Strid. Tocamos un montón de improvisaciones, pero también algunas composiciones de Anders y mías. Anders es un compositor maravilloso. A través de Anders y de otros músicos que conocí allí, descubrí un montón de música escandinava. Por lo tanto, al igual que A Love Supreme de John Coltrane me conmovió y me transformó, la música escandinava me conmovió y transformó cosas dentro de mí. Y eso ya ocurría antes de ECM. Así que cuando tuve la idea de tocar las composiciones de Annette, ya iba en esa dirección. ECM fue una elección natural para esta “nueva” dirección. No es que cambiase mi música para adaptarme a la música de ECM, sino más bien que elegí ECM porque mi música ya había tomado esa dirección, sin abandonar lo que había hecho antes pero dándole una nueva dimensión.
NOBU STOWE: ¿Cuál fue el papel de Manfred Eicher en este “cambio”?
MARILYN CRISPELL: Manfred es un productor. Tiene una idea clara de cómo debe sonar la música. Marca una dirección para la música. Por ejemplo, cuando la música se volvía demasiado “salvaje”, a Manfred no le gustaba. Pero, al mismo tiempo, me alentaba a mostrar todos los aspectos de mi música. Y esto incluye mi lado “salvaje”. A veces Manfred decía: “no creo que esto funcione”. Y yo le respondía: “pero es un buen tema, me encantaría incluirlo”. Y volvía a escucharlo y conseguía encontrar el lugar adecuado para meterlo en el disco. Cada vez que yo quise incluir un tema, Manfred siempre lo aceptó. Así que se ha portado muy bien conmigo. Pero si no le gusta algo, te lo dice a las claras.
NOBU STOWE: ¿Tu actitud hacia ECM es distinta de tu actitud hacia otros sellos? Digo esto por el concierto que grabaste a dúo con Louis Moholo, que creo que pronto se publicará en Intakt. Era en directo, no en estudio, pero tu música era más “free” que la que has grabado para ECM.
MARILYN CRISPELL: Bueno, diría que en un estudio mi disposición mental es diferente a la que tengo en directo. Para ECM, he grabado en estudio. En el estudio tengo la posibilidad de volver a escuchar la música. Y si no me gusta, puedo cambiar alguna cosa. En directo es distinto. Alguien dijo una vez que “tocar en directo es como estar en un circo caminando sobre la cuerda floja sin red”. ¡En directo, o eres muy bueno o te caes!
NOBU STOWE: Supongo que te refieres a que en directo, para ti debe prevalecer la espontaneidad sobre la perfección, mientras que en el estudio buscas la perfección…
MARILYN CRISPELL: Sí. Por supuesto, la espontaneidad también es muy importante en estudio, pero hay más espacio para la “perfección”.
NOBU STOWE: ¿Te gusta el aspecto visual de los discos de ECM?
MARILYN CRISPELL: Me encanta.
NOBU STOWE: ¿Diste tu opinión a la hora de elegir la portada de tus discos?
MARILYN CRISPELL: No, no lo hice, pero tampoco pedí hacerlo. Pero me gustan mucho las portadas de mis discos. Son sombrías, melancólicas… casan bien con la música.Marilyn Crispell - Vignettes (ECM 2027)
SobreVignettes (ECM)
NOBU STOWE: Me gustaría hablar de tu nuevo disco Vignettes (ECM). ¿Los temas de este disco están totalmente improvisados o basados en composiciones?
MARILYN CRISPELL: La mayoría fueron totalmente improvisados. Dos canciones son composiciones de otros y dos son mías.
NOBU STOWE: ¿Qué temas compusiste?
MARILYN CRISPELL: Compuse “Once” y “Valse Triste”. Compuse “Valse Triste” en Suiza, siendo “artista residente” en el Centro Durenmatt de Neuchâtel. La idea era pasar allí una semana, admirar las obras de arte, los paisajes y realizar un concierto al final basado en mis impresiones. Compuse este tema para ese concierto. El otro tema, “Once”, lo compuse hace un año. Tenía más material compuesto para este disco, pero al final no lo utilicé. Algunas de las improvisaciones estaban basadas en “temas” que toqué previamente, en un concierto o mientras practicaba. Pero no escribí estos temas antes de la grabación.
NOBU STOWE: Así pues, empezaste algunas improvisaciones basadas en “bocetos” que habías hecho antes.
MARILYN CRISPELL: Sí.
NOBU STOWE: ¿Por qué decidiste titular el disco así como algunos temas Vignettes?
MARILYN CRISPELL: “Vignettes” [N. del T.: viñetas, esbozos] son pequeños dibujos. Tenía esta imagen: “caminar por un vestíbulo, abrir diferentes puertas y mirar las diferentes imágenes que hay detrás de esas puertas”. Quería que cada una de esas piezas así como el disco representasen diferentes imágenes. Pero no decidí llamar a esas piezas o al disco Vignettes hasta más tarde. No di los títulos a las piezas improvisadas hasta que las escuché grabadas. Luego surgieron los nombres para la música.
NOBU STOWE: Noto cierta continuidad de “Vignette I” a “Vignette VII”. ¿Pretendías crear una “suite” cuando improvisaste esas piezas?
MARILYN CRISPELL: Siempre considero que un disco es como una “suite”.
NOBU STOWE: Pero entonces, ¿por qué has titulado algunas piezas “Vignettes” y no las otras piezas?
MARILYN CRISPELL: Porque “Vignettes” era más corto, más abstracto… Son como “colores”. Así que las agrupé. También traté que sonasen diferentes de las demás piezas, con diferentes sentimientos.
NOBU STOWE: Las siete “Vignettes” me recuerdan a algunas piezas de Microcosmos de Bela Bartok…
MARILYN CRISPELL: ¡Eso es bueno! Comprendo a qué te refieres…
NOBU STOWE: Para ECM, grabaste un disco dedicado a composiciones de Annette Peacock. Para Leo Records, grabaste un disco con composiciones de John Coltrane. ¿Tienes algún proyecto similar de cara al futuro, un disco basado en un determinado compositor?
MARILYN CRISPELL: Por ahora no.
NOBU STOWE: Tengo la impresión de que tu música, sobre todo tus discos para ECM, se ha vuelto cada vez más “tonal”, a diferencia de tus trabajos más antiguos que tendían a ser más ‘atonales’… ¿Cuál es la razón para este cambio?
MARILYN CRISPELL: Simplemente ha ocurrido así… Me apetecía más tocar con este tipo de “tonalidad”, pero no siempre es así. Me sigue gustando el aspecto atonal de la música. Me he dado cuenta de que incluso en temas que no son “líricos”, me refiero a piezas más rítmicas y abstractas, a menudo utilizo diferentes tipos de tonalidades.
NOBU STOWE: ¿Te refieres a “politonalidad”?
MARILYN CRISPELL: Sí, en oposición a completamente “atonal”. Me sigue gustando tocar música completamente atonal, a veces. Pero, con la edad, me gusta tocar lo que me apetece, en oposición a “lo que debería tocar”. Cuando era más joven, en ocasiones quería tocar música más lírica, pero no lo hacía porque tenía la impresión de que debía tocar del otro modo y conservar cierta “pureza”. Y además estaba muy metida en una música con mucha energía. Pero incluso entonces, de vez en cuando componía música muy lírica, aunque nunca tocaba esas composiciones.
NOBU STOWE: Una de las cosas que te diferencia de otros músicos pertenecientes a la “improvisación libre” es que, en tu música, la “tradición” es un componente importante.
MARILYN CRISPELL: Sí, creo que es verdad. Cuando empecé a tocar jazz, intenté deshacerme de la influencia de la música clásica. Además, mi profesor en Boston me hacía tocar el piano utilizando un solo dedo, para eliminar la técnica clásica de digitación fluida. Pero ahora, intento incorporar todos los aspectos, porque todo ello forma parte de mi vida y refleja lo que soy. Y la música clásica es un elemento integrante. Creo que ese elemento “tradicional” es más pronunciado en mi música ahora.
NOBU STOWE: ¿Cuál es tu compositor favorito?
MARILYN CRISPELL: Bach y Mozart. Me sigue encantando tocar a Bach. Es mi compositor favorito y también tiene una gran influencia en mi forma de improvisar. También me gusta todo lo que compuso Mozart… También me gusta la “música antigua”, la música barroca.
NOBU STOWE: ¿Tienes algún compositor favorito dentro del jazz?
MARILYN CRISPELL: Sí… Coltrane, Bill Evans, Abdullah Ibrahim… Me gustan mucho. Cecil Taylor, por supuesto. Annette Peacock, Anthony Braxton, Leo Smith… Me gustan las composiciones de Paul Motian. Me gustan las composiciones de Mark Helias.© 2008 Hirohiko Kamiyama
NOBU STOWE: ¿Y Keith Jarrett?
MARILYN CRISPELL: ¿Keith? Sí.
NOBU STOWE: Lo digo basándome únicamente en mi impresión, pero algunos de los temas de Vignettes me recuerdan a los de Keith Jarrett…
MARILYN CRISPELL: Bueno, para mí es un cumplido.
NOBU STOWE: Me imagino que se debe a que tanto Keith como tú estáis muy influidos por Bach, junto con otros compositores clásicos. Vuestros “voicings” son parecidos.
MARILYN CRISPELL: Estoy de acuerdo, salvo que Keith también incorpora un toque “góspel”, lo que no hay en mi música.
NOBU STOWE: Sí, y otra diferencia entre Keith y tú, es que no haces esos “ruidos” cuando tocas… (risas).
MARILYN CRISPELL: Sí (risas). También me encantan músicos europeos. Anders Jormin, Bobo Stenson, John Taylor, Tomasz Stanko… Y Joachim Kühn… Me gustan mucho. También me ha influido mucho la música africana.
NOBU STOWE: ¿Qué tipo de música africana?
MARILYN CRISPELL: De todo tipo: tradicional y contemporánea. Oh, y también me encanta la música de Ornette Coleman y la de Sun Ra.
NOBU STOWE: ¿Y Paul Bley?
MARILYN CRISPELL: Me gustan más sus discos antiguos. Le considero un músico muy original. Desde luego que me ha influido.
NOBU STOWE: Cuando tocaste en el Village Vanguard el año pasado, tocaste algunas composiciones de Agustí Fernández. ¿Qué composiciones de Agustí tocaste?
MARILYN CRISPELL: “Please Let Me Sleep”. Me encanta esa canción. La primera vez que escuché ese tema fue en el maravilloso disco Aurora (Maya Records) que Agustí grabó con Barry Guy y ese percusionista español… que se llama… no recuerdo su nombre.
NOBU STOWE: ¿Ramón López?
MARILYN CRISPELL: ¡Sí, Ramón! Ese disco es maravilloso. Incluye composiciones de Agustí y tiene un fuerte toque “catalán”. Me encanta esa composición, “Please Let Me Sleep”. Lo interesante es que pregunté a Agustí si podía tocar esa composición. Agustí me dijo que sí y le pedí que me enviase la partitura. Pero Agustí tardó mucho, así que la tuve que transcribir. Y finalmente, la partitura de Agustí llegó y descubrí que lo que yo creía que eran maravillosas melodías compuestas eran improvisaciones suyas. La música compuesta por Agustí no son más que unos pocos acordes. Pero me encanta esa grabación, así que toco exactamente lo que Agustí improvisó como tema.
NOBU STOWE: ¿Cómo conociste a Agustí?
MARILYN CRISPELL: Hace años, me invitó a ir a Barcelona y realizamos un concierto a dúo. Más tarde, recomendé a Agustí para sustituirme en la Barry Guy’s New Orchestra, un grupo con diez músicos. Pero sigo tocando con Barry en trío con Paul Lytton.Louis Moholo - Moholo
Duets With Marilyn Crispell - Sibanye (We Are One) (Intakt cd 145)
NOBU STOWE: En “An die Musik” en Baltimore, hiciste un concierto a dúo con el batería surafricano Louis Moholo (ahora conocido como Louis Moholo-Moholo). El concierto se grabó y se publica en noviembre de 2008 por Intakt. ¿Habías tocado con Louis antes de este concierto? ¿Qué opinas de ese dúo y del próximo disco? ¿Tienes previsto volver a tocar con él pronto?
MARILYN CRISPELL: Toqué una vez con Louis, hace mucho tiempo en Zúrich… Fueron tan sólo uno o dos temas en un festival dedicado al piano. Me encantó tocar con él en Baltimore. Aportaba los ritmos y un fuerte sentimiento africano, todo ello combinado con el "free jazz". Tengo ganas de realizar alguna gira juntos ahora que el CD va a salir.
NOBU STOWE: ¿Cuáles son tus proyectos en curso, así como los venideros?
MARILYN CRISPELL: Tengo previstos un montón de conciertos en solitario así como giras con Lotte Anker (una saxofonista danesa) y Raymond Strid, Michele Rabbia (un batería italiano) y Vincent Courtois (chelista francés), Joëlle Léandre (contrabajista francesa), John Geggie y Nick Frazer (bajista y batería canadienses, respectivamente)… También tengo proyectos con Agustí Fernández y Barry Guy en Barcelona para el año que viene y con Norman Adams y Jeff Reilly (chelista y clarinetista canadienses, respectivamente) en Nueva Escocia, también el año próximo.
Tengo una página web (www.marilyncrispell.com) en la que aparecen la mayoría de los conciertos en la agenda.
NOBU STOWE: Muchas gracias. He podido hacerte todas las preguntas que había preparado.
MARILYN CRISPELL: Eso está bien… El placer ha sido mío.
Nobu Stowe, tomajazz.com, Spain, Dezember 2008

Rien, apparemment, ne semblait pouvoir les réunir. Lui, l’Africain, que ses nombreuses années d’exil auprès de ses camarades des Blue Notes et du Brotherhood of Breath pourraient presque faire oublier à quel point il demeure un partenaire unique pour Irène Schweizer, Evan Parker, Cecil Taylor ou Peter Brötzmann, et un styliste incontournable de l’histoire du jazz. Elle, l’Américaine nourrie (et multi-diplômée) par l’institution classique, interprète de compositeurs contemporains, instigatrice de merveilleux trios de jazz avec piano, et consoeur de nombreux « polymusiciens » tels qu’Anthony Braxton, Barry Guy, Paul Motian, Anders Jormin ou Reggie Workman. Leur unique rencontre eut lieu lors d’un concert à Baltimore en 2007, où ce CD fut enregistré, après une brève balance du son, sans la moindre indication de ce qui allait se produire — irremplaçable privilège de l’improvisation libre. Dès les premières secondes de Improvise, Don’t Compromise, on comprend qu’on est loin de ce que l’on s’attendait à entendre : Crispell pose lentement des notes isolées par petites touches pensives tandis que le batteur procède par frémissements de cymbales et roulements torsadés. Petit à petit, l’émotion s’installe dans cet échange retenu en forme de première prise de contact... Pendant que Moholo-Moholo (qui a mis un trait d’union à son nom après le décès de sa mère, selon la coutume sud-africaine) évoque doucement par le verbe les noms de ses anciens compagnons et psalmodie au début de Journey, une merveilleuse tension se noue d’où s’échappent des bouffées de lyrisme néo-coltranien sous les doigts de la pianiste. Et chaque nouvelle pièce instaure de nouvelles directions. Comment qualifier en effet cette superbe mélodie (aux accents si africains) qui jaillit de l’imagination de la pianiste dans Phendula (Reply) ? Et comment rester insensible à l’exceptionnelle qualité de frappe du drummer ? Ici, la grâce surgit du tumulte. Leur musique est universelle, la magie est totale.
Gérard Rouy, Discque d'émois. Jazzmagazine, Paris, Décembre 2008

Alfred Krondraf, Concerto, Österreich, Dezember 2008 / Januar 2009

Nach mehreren ECM-Veröffentlichungen am Rand des (relativ, aber immerhin) Geschmäcklerischen bewegt sich Marilyn Crispell hier wieder auf der Höhe ihrer Kunstfertigkeit. Im ersten Aufeinandertreffen mit dem genialen Trommler Louis Moholo-Moholo, live aufgenommen im Club „An die Musik“(!) von Baltimore/USA, zündet sie ein Feuerwerk an Inspiration, Intensität und Interaktion. Schüttelt den Einfallsreichtum nur so aus dem Ärmel, lotet die Grenzen der so genannten Tonalität in beiden Extremen aus, vom Vorschlaghammer bis zur Hinterglasmalerei. Der Südafrikaner Moholo, neuerdings Moholo-Moholo (eine Fortsetzungsgeschichte?), erdet die fliegenden Ideen Crispells mit schwerer Substanz oder treibt sie, je nachdem, noch weiter in die Lüfte. Ein unglaublich stimulierendes Duo, das Moholo-Moholo stellenweise zu Vokalausbrüchen hinreißen lässt. In den zahlreichen magischen Momenten wie nicht von dieser Welt. Outer space. Große Klasse.
Andreas Fellinger; Freistil, Österreich, 2008

In de zomer van 2007 was een jazzfestival in Baltimore het toneel voor een opmerkelijke primeur. Drummer Louis Moholo-Moholo en pianiste Marilyn Crispell stonden namelijk voor het eerst in hun lange carrière samen op een podium. Door een speling van het lot waren de muzikale wegen van deze jazz- en improvisatiegrootheden blijkbaar nooit eerder samengekomen. Het concert was een memorabele gebeurtenis die gelukkig ook werd opgenomen. Onder de titel 'Sibanye' wordt dit nu op cd uitgebracht zodat iedereen dit geweldige concert kan herbeleven.
Louis Moholo-Moholo maakte in het Zuid-Afrika van de jaren zestig deel uit van het freejazz sextet The Blue Notes. Omwille van het apartheidsregime (dat de raciale mix binnen deze groep maar weinig kon appreciëren) trok de band naar Europa waar tot in de late jaren zeventig grote successen werden geboekt. Tijdens die periode was Moholo-Moholo ook actief aan de zijde van onder andere Peter Brötzmann en Steve Lacy. Al die ervaringen bundelt hij op 'Sibanye' tot een opgemerkte wereld van klanken en ritmes die uitblinkt in ongecompliceerdheid. Van moeilijkdoenerij of klankfetisjisme is hier geen sprake. Moholo-Moholo hoeft niet noodzakelijk elk hoekje van zijn drumstel te benutten op zoek naar interessante klanken want met een snaredrum en hi-hat alleen al zou hij een plaat kunnen vullen. Samen met de boeiende pianiste Marilyn Crispell stooft hij hier een niet te versmaden muzikaal potje. Crispell speelt op haar eigen manier in op de tempoloze ritmes en aanhoudende roffels die vanaf het eerste moment opduiken. Met afgebroken pianoloopjes en een minimum aan akkoorden lijkt ze vooral te willen volgen in plaats van te leiden. Soms lijkt ze haar spel moedwillig aan banden te leggen, zoals in 'Moment of Truth', waarbij ze lang blijft schipperen tussen enkele percussieve noten. Met de gaandeweg ophitsende drumpartijen mondt het stuk uit in een gigantische muzikale aardschok. Het duo had op voorhand geen afspraken gemaakt waardoor de muziek werkelijk alle kanten kon opgaan. In 'Journey' belandt een aftastende improvisatie plots in rivier van pianolyriek, iets wat men niet meteen verwacht van taaie tante als Marilyn Crispell. De tegendraadse en nog steeds verbazend simplistisch klinkende drumpartijen houden de voeten echter steeds op de grond. Zo valt er in elk van de zeven tracks op dit album een pak te ontdekken zoals het een improvisatieplaat betaamt.
Het is een uitstekende zaak dat Louis Moholo-Moholo en Marilyn Crispell elkaar uiteindelijk gevonden hebben. Of er nog eventuele samenwerkingen gepland zijn valt nog af te wachten. Met 'Sibanye' is er voorlopig genoeg om het een hele tijd uit te houden.
Joachim Ceulemans, Kwadratuur, Belgium, Januar 2009

Sibanye, We Are One, ist die erste Begegnung zwischen diesen beiden eingefleischten Improvisatoren, der eine aus Kapstadt, die andere aus Woodstock, New York. Beide sind sie aus der Freejazz-/Kreative-Musik-Bewegung hervorgegangen. Beide lassen sie immer wieder die ungeschriebenen Gesetze und Stilisierungen dieser Bewegung hinter sich und entfalten im freien Spiel lyrische und traditionelle melodische Elemente in neuer Qualität.
Moholo-Moholo en Crispell finden einander bei Sibanye auf eine wunderbar entspannte und energiereiche Weise. Ihr Spiel mit der Musik legt Unterströmungen frei, eröffnet Zugänge und überraschende Panoramen von grosser Schönheit. Moholo-Moholo ist ein Schlagzeuger, der die Energie tief aus der Erde aufsteigen lässt. Zu Anfang spielt er meistens leise flüsternd, fast mechanisch. Es ist wie bei hölzernen Zahnrädern, die sich drehen: sehr gleichmäßig und zugleich doch holprig, mit kleinen und grossen sprunghaften Übergängen. Auch wenn er lauter spielt und verschnellert, strömt die Energie aus der Tiefe. Es gibt keine overpowernden Momente. Es ist faszinierend, wie beide Spieler ihre eigene Spur ziehen, ihre eigenen Muster aufbauen, wie die Musik dabei aufsteigt und dann jedes Mal wieder bei einem mitreissenden Energieniveau mit hymnisch langen Linien landet. Linien, in denen die Echos von Kwela oder Isicathamiya wunderbar durchklingen. Umgeben vom Hauch der Atemzüge und perkussiven Vokalisierungen.
Henning Bolte, Jazz , Netherlands, 12/2008

Kurt Gottschalk, Coda Magazine, Canada, November 2008

This South African jazz drummer, now 68 and living in his home country after a nearly 40-year exile in England, is one of those rare people who make the divisions in jazz between swing and free rhythm seem academic. On “Sibanye (We Are One),” an album of improvised duets with the American pianist Marilyn Crispell, recorded live last year in Baltimore, he builds pressure with quiet control, through patterns that skip and shuffle and simmer. Compared with a lot of American free-jazz drummers, he can be a light touch, grooving quietly on a pattern for a long stretch, or making his climax areas full of pinpoint precision. It’s definitely made after a certain pattern – if the pianist Cecil Taylor and the drummer Andrew Cyrille hadn’t collaborated in the 1960s and ‘70s, this album might not exist – but these musicians have their own wise and settled characteristics, and this album has a long-form patience and power.
Ben Ratliff, New York Times, January 4, 2009, on page AR12.

A parte scontati riferimenti alle vicende elettorali d'oltreoceano, il titolo di questa incisione rimanda ad una unità d'intenti che si respira a piene mani lungo le sette tracce dell'album. Sibanye (We Are One) celebra l'incontro tra due spiriti liberi: quello esuberante, africano, militante, di Louis Moholo-Moholo e quello intellettualistico, rigoroso, matematico (ah, quella frequentazione con Braxton) di Marilyn Crispell.
E come a volte capita quando in gioco ci sono due personalità profonde e accomunate da una visione spirituale della musica avviene la magia dell'osmosi, dell'intreccio vitale e creativo tra sensibilità diverse. L'energia primitiva delle percussioni di Moholo-Moholo contagia l'imperturbabile pianismo della Crispell che a sua volta sembra trasferire la lucida geometria del suo pensiero al bagaglio ritmico del suo interlocutore.
In Sibanye (We Are One) i ruoli si confondono e si ribaltano, gli strumenti abbattono la loro ristrettezza fisica per espandersi in suono cosmico, così che melodia e ritmo assumono contorni sempre mutevoli in un gioco a nascondino che ad ogni ascolto rivela nuove miniere sonore. Le percussioni di Moholo-Moholo sono dolci e melodiche come non mai, pur non perdendo nulla della propria africanità, il pianismo di Crispell è limpido come una fonte di montagna, ma assume straordinari connotati percussivi raramente cosi vividi e pregnanti
Vincenzo Roggero, All About Jazz Italia, February 2009

Put a pin anywhere in the lengthy discography of pianist Marilyn Crispell and you'll stumble on a new facet, an unforeseen window into her turbulent, ever-evolving improvisational discourse. This is because Crispell retains the ability to surprise herself—as must have been the case during her first-ever playing encounter with Louis Moholo-Moholo, the iconic drummer and South African expatriate (now repatriated). The resulting duo session, Sibanye (We Are One), makes for a vibrant contrast with two recent trio efforts involving Crispell and a far-flung roster of colleagues. Bassist Barry Guy, founder of the London Jazz Composers Orchestra, enlists Crispell and drummer Paul Lytton for Phases of the Night while Ottawa bassist John Geggie offers Geggie Project, his leader debut, with Crispell and drummer Nick Fraser.

During his exile in London, Moholo worked in an orbit similar to Crispell's own, giving the music of Sibanye (We Are One) a certain historical resonance. Recorded in 2007 at the An Die Musik series in Baltimore, the disc includes seven collaborative pieces, remarkable for their overall restraint. Crispell and Moholo are able to brainstorm at a low and enticing volume, bringing out subtle sonic details without losing intensity. Moholo likes to nudge the music into tempo, whether it's the tom-tom beats of "Reflect" and "Moment of Truth" or the march-like gait that peeks momentarily through "Improvise, Don't Compromise". The set does have its tempestuous side, bringing to mind Remembrance (FMP), Moholo's 1988 duo with Cecil Taylor, although "Phendula (Reply)" and the middle-to-end of "Journey" find Crispell in high lyrical mode, unveiling sunny major-key sonorities. In an odd twist, Moholo vocalizes at the beginning of "Journey," working Crispell's name into something like a hypnotic poetry.
David Adler, All About Jazz New York, USA, March 8 2009

Kevin Le Gendre, Jazzwise, UK, April 2009

Alain Drouot, Downbeat, UK, April 2009

Deux improvisateurs majuscules rassemblés dans un duo piano – batterie au titre en manière de manifeste : « Nous ne faisons qu’un ».
Le morceau-titre, qui ferme l’album, confirme ce que l’on pressentait : l’affirmation ne se cantonne pas au domaine musical. Piano et tambours, Nord et Sud, femme et homme, blanche et noir, complémentaires et éléments d’un « un ». Platonisme artistique, si on osait. Sur un tapis de percussions résolument sud-africaines, une improvisation presque contrapuntique rejoint peu à peu les harmonies des chants xhosa. La jonction s’opère dans l’exubérance et la liberté, médite un instant puis s’arrête net comme si, l’unité (re)trouvée, tout était dit.
Cette unité, les deux improvisateurs l’atteignent au terme d’un itinéraire qui commence par un mot d’ordre tranchant : « Improvise, Don’t Compromise ». Les étapes sont contrastées :
« Journey », piste 3, est un voyage à part entière ; peut-être celui d’un fleuve, courant de contrées secrètes en villes agitées jusqu’à un estuaire ouvert sur l’immensité maritime – encore une unité retrouvée, celle de l’eau avec l’eau, douce ou salée, peu importe : nourricière.
Un moment de vérité : « Moment Of Truth », extrait d’une improvisation plus longue, un peu comme la rencontre de deux planètes sur des orbites différentes.
Des réponses : « Soze (Never) », où le piano percute plus qu’il ne chante et où la batterie semble prête à parler, et « Phendula (Reply) », avec une Marilyn Crispell liturgique, la main gauche campant une harmonie ample de chant populaire et la droite jouant, en sixtes, une mélodie simple et belle, tandis que Louis Moholo-Moholo se charge des jeux de lumière et des montées émotionnelles.
Puis un reflet, peut-être aussi une invitation à la réflexion : « Reflect », où les toms chantent un ostinato sur lequel la pianiste peint au couteau et brosse des couleurs, joue des résonances et des matités, étouffe un écho, laisse durer l’autre…
Sibanye est un album à écouter tous neurones en état de fonctionnement. Histoire de les affûter un peu plus encore.
Diane Gastellu, www.citizenjazz.com, France, 6 avril 2009

En 2008 Marilyn Crispell sorprendió con Vignettes. En su primer disco a piano solo en ECM se dejaba sentir el papel de Manfred Eicher, que hacía que su música perdiese parte de la inmediatez que ha caracterizado a la pianista a lo largo de su carrera. Afortunadamente, en su dúo con el histórico batería sudafricano Louis Moholo-Moholo, la pianista retorna a sus terrenos habituales, en los que explota el lado más libre de su música, sin olvidar el lirismo que caracteriza a sus últimos trabajos.
La combinación con Moholo-Moholo es muy interesante, pero aún resulta más llamativa si se tiene en cuenta que este concierto fue la primera vez en que ambos músicos tocaron juntos. Sobre todo lo demás resalta el magnífico entendimiento que los dos artistas muestran a lo largo de la hora que dura la grabación. En las siete composiciones – improvisaciones se muestran distintas estéticas que se van sucediendo con una gran naturalidad. Así, a unos momentos caracterizados por la inmediatez y una cierta ejecución percusiva de la música (“Improvise, Don’t Compromise”), le siguen otros en los que lo fundamental es el aspecto lírico (“Moment Of Truth”, “Phendula” o el inicio de “Sibanye”), o en los que prima el carácter abstracto y oscuro (“Soze” y “Reflect”). El resultado es un disco magnífico más que añadir a la discografía de ambos músicos, con una música que sobrepasa con su inmediatez y libertad ciertas barreras estilísticas absurdamente auto impuestas y demasiado habituales en el jazz.
Pachi Tapiz, www.tomajazz.com, Spain, 6 de mayo de 2009

Gérard Rouy, Jazz Magazine, France, 2009

Andy Hamilton, Jazz Journal, UK, June 2009

"Sibanye (We Are One)" pushes the piano duo to a different extreme. It captures one hour of live Free improvisation in Baltimore in 2007. But here is the kicker: Marilyn Crispell and Louis Moholo-Moholo had never played together before (and by the way, if you want to know why the drummer now doubles his last name, the liner notes by Bill Shoemaker will explain). They purposely limited their afternoon sound check only to being certain they could hear one another and that the sight lines between themselves were clear. No music was played at that point, as the duo aimed to make the performance the blank slate of their first collaboration. Of course, the slate was not really blank, as both musicians have heard the other’s work. But, interestingly, both Crispell and Moholo-Moholo have become more lyrical and melodic in their approaches of late. So if you, or they, had only heard their work with Anthony Braxton or Cecil Taylor, this performance is going to be a surprise. There are seven free improvisations, then, on "Sibanye (We Are One)" and the raw lyrical beauty of this performance was a pleasant surprise. Moholo-Moholo has always been creative behind the kit, without adding a lot of showy percussion to his setup. He can do something as simple as tape a coin to the edge of a cymbal to create a shimmering metallic shine to its sound, and on "Sibanye (We Are One)" he uses his cymbals along with some hand drumming on the tom-tom to great effect. And Crispell has become more and more impressionist, using chromatic arpeggios and harmonious clusters to evoke open-ended music of great beauty. “Journey” is a high point of their set, beginning with Moholo-Moholo’s soft chanting until Crispell begins to drum inside the piano and he shifts to his splashing cymbal work. Crispell then begins with a few low notes on the piano and, as it gradually evolves into a tenor melody, Moholo-Moholo shifts to the tom-tom and adds again the distant chant. As the piano begins finally to sing a full-blown melody line, Moholo-Moholo shifts to a snare and then the full kit, and we swing to chromatic conclusion, as if we have arrived at last and the journey is complete. The set as a whole ends with a crescendo that stops abruptly in dead silence, so suddenly it is startling; I still don’t quite know what to make of it. It’s not really a mark on a beautiful recording, but a startling question mark at the end. Definitely worth hearing.
Phillip McNally, Cadence, USA, July/August/September 2009

Jason Weiss, Signal to Noise, USA / Canada, Fall 2009

Marilyn Crispell & Louis Moholo, Zomerconcerten
Zij zijn EEN
Wat een gouden greep om Louis Moholo en Marilyn Crispell bij elkaar te brengen. Ze speelden nooit eerder samen. Voorafgaand aan het concert deden ze een soundcheck van een paar minuten, alleen om te controleren of ze elkaar konden horen. Er werden geen afspraken gemaakt, niet over de aard noch de duur van een nummer.
Drummer Louis Moholo (Kaapstad, 1940) ontvluchtte het apartheidsregime in 1964 en had de daarop volgende decennia veel invloed op de Britse en Europese free jazz scene. Hij maakt muziek waarin de roep om vrijheid weerklinkt; een balling met een zelfbewuste stijl. Pas vier jaar geleden keerde hij terug naar zijn geboorteland.
Net als Moholo is pianist Marilyn Crispell (USA, 1947), ook oprichter van verschillende bands en jazzorkesten en speelt sologigs. Zij werd klassiek opgeleid, piano en compositie; maar de echte drive ontbrak. Op een goede dag ontdekte Crispell de jazz. Jazz is voor haar vrijheid, muziek zonder vaste vorm, zonder dominante structuur. Meestal improviseert ze, maar vindt improvisatie alleen verdragelijk tegen de achtergrond van grote muzikale ervaring. Het verleden is de bron, maar beide musici zijn compromisloos op zoek naar de eigen expressie.
In dit verband hebben zowel Crispell als Moholo een enorme ontwikkeling doorgemaakt in de afgelopen halve eeuw. Crispell is lyrisch. In kalme, stilte-rijke passages bereikt zij een indringende intensiteit. Ook Moholo geeft een superlichte touch aan deze akoestische setting. Dan krijgt een enkele wegstervende noot, een tot zwijgen gebracht cimbaal een buitengewone impact. Eerste nummer is de 12 minuten durende track Improvise, DonÕt comprise. (leg jezelf niet aan banden). Het programma besluit met Sibanye (wij zijn Z¹Z¹n); woord uit het Xhosa, de taal van Moholo en Nelson Mandela. Hedendaagse freejazz, met een scala aan emoties en een vaste grip op de luisteraar. Een onbekende trip, zonder motief, zonder herhaling, een boeiend samenspel met soms een onverwachte sonore melodie in majeur.
Patricia Werner Leanse, Holland, 2009, www.radiomonalisa.nl

Laurence Svirchev, www.misterioso.org, DECEMBER 3RD, 2011, Canada

Wat een gouden greep om Louis Moholo en Marilyn Crispell bij elkaar te brengen. Ze speelden nooit eerder samen. Voorafgaand aan het concert deden ze een soundcheck van een paar minuten, alleen om te controleren of ze elkaar konden horen. Er werden geen afspraken gemaakt, niet over de aard noch de duur van een nummer.
Drummer Louis Moholo (Kaapstad, 1940) ontvluchtte het apartheidsregime in 1964 en had de daarop volgende decennia veel invloed op de Britse en Europese free jazz scene. Hij maakt muziek waarin de roep om vrijheid weerklinkt; een balling met een zelfbewuste stijl. Pas vier jaar geleden keerde hij terug naar zijn geboorteland.
Net als Moholo is pianist Marilyn Crispell (USA, 1947), ook oprichter van verschillende bands en jazzorkesten en speelt sologigs. Zij werd klassiek opgeleid, piano en compositie; maar de echte drive ontbrak. Op een goede dag ontdekte Crispell de jazz. Jazz is voor haar vrijheid, muziek zonder vaste vorm, zonder dominante structuur. Meestal improviseert ze, maar vindt improvisatie alleen verdragelijk tegen de achtergrond van grote muzikale ervaring. Het verleden is de bron, maar beide musici zijn compromisloos op zoek naar de eigen expressie.
In dit verband hebben zowel Crispell als Moholo een enorme ontwikkeling doorgemaakt in de afgelopen halve eeuw. Crispell is lyrisch. In kalme, stilte-rijke passages bereikt zij een indringende intensiteit. Ook Moholo geeft een superlichte touch aan deze akoestische setting. Dan krijgt een enkele wegstervende noot, een tot zwijgen gebracht cimbaal een buitengewone impact. Eerste nummer is de 12 minuten durende track Improvise, DonÕt comprise. (leg jezelf niet aan banden). Het programma besluit met Sibanye (wij zijn ŽŽn); woord uit het Xhosa, de taal van Moholo en Nelson Mandela. Hedendaagse freejazz, met een scala aan emoties en een vaste grip op de luisteraar. Een onbekende trip, zonder motief, zonder herhaling, een boeiend samenspel met soms een onverwachte sonore melodie in majeur.
Patricia Werner Lease, OPZIJ - juli/augustus 2009, Nederlande

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