https://daily.bandcamp.com/lists/david-murray-album-guide

Murray spent many years in Europe, but in the last few years has returned to America. That was announced to the world with his new Quartet, Murray surrounded by the superb young talent of pianist Marta Sanchez, bassist Luke Stewart, and drummer Russell Carter (with Kassa Overall often substituting for him). Words like “renewed” and “revived” are wrong for this album; it’s us who have missed out on what he was doing for so long, so there should be no surprise that Murray is as exuberant and emotive as always. That’s who the man is.

from the article: David Murray is History

Progress in the arts—the way new ideas and possibilities are incorporated and keep things moving concurrently with societal changes—generally follows a formula: the avant-gardist stakes out territory beyond the contemporary boundaries of a tradition, then that tradition eventually catches up. Repeat, repeat, repeat.

Then there are the rare artists who are both avant-gardists and traditionalists, who single-handedly move things forward with the force of their artistic personalities, bringing the tradition into the avant-garde and thereby hauling tradition with them to whatever aesthetic space they happen to occupy. And that is a good single-sentence description of the masterful contemporary jazz musician David Murray.

Born in Oakland, Murray grew up and came of age in California before moving to New York City in the mid-1970s and joining the loft jazz scene. In that decade, jazz music was dying off in record company offices—if you weren’t Miles Davis or Herbie Hancock, nobody was making any money. But the world, and especially New York, was still full of phenomenal musicians. New York was also full of decaying, post-industrial loft buildings without amenities or even working plumbing, but the rents were cheap. That’s essential to the story of post-punk and no wave, but also to new and avant-garde jazz, which not only survived but thrived during the 1970s because musicians found cheap places to live and play (often the same place).

Murray quickly became such an important player with such musical gravity that when the jazz business regained a little life in the 1980s (thanks in large part to the Black Saint/Soul Note labels), Murray was its single most important musician—we’re talking the history of post-WWII modern music and the central story of jazz in the ‘80s. He wasn’t just playing and touring and recording; he was a founding member of the World Saxophone Quartet and the organizer of a little big band that maintained a regular residency at Sweet Basil on Seventh Avenue South. The musicians who cycled through that ensemble included Henry Threadgill and Butch Morris.

In the 1970s, it was almost impossible to find a young tenor saxophonist who wasn’t closely following John Coltrane’s sound, if not his path. Murray was and remains the exception, putting together a sound and style that boils down to a single word: romance. That made for an unlikely fusion of Albert Ayler and Ben Webster, the former the great free-spiritual, neo-primativist, the latter a monumental, traditional, buttery balladeer. But both men were playing about love, for God and Jesus and for romantic partners, and thus for life itself, spiritual and sensual, inseparable. And Murray, first and always, is a deeply expressive, personal player who is telling you about life, loving, living.

That voice, coming through Murray’s tenor saxophone and bass clarinet, is one of the most distinctive in jazz history, bar none. There is no one who has ever sounded or played like him. He has few peers in terms of versatility—Murray is at home playing ballads, free jazz, and also slow jams, funk, Latin music, songs from the Grateful Dead catalog, and more—and while his musical career is strewn with multiple generations of close collaborators, no one has come forth to play like him. The musical personality is perhaps too singular to have an influence that doesn’t sound like imitation. Hear this voice on Bandcamp.

Different Tranes

When an artist departs this realm at a relatively early age, acolytes frequently seek a sense of how that curtailed creativity would have evolved. Miles Davis was expected to continually enhance his interest in funk, groove, electronics, and hip-hop, surely set to run alongside each of his favored developments in new music. John Coltrane is another of 2026’s centenarians, and a similar fantasy retro-anticipation is far more difficult. There was no sign of Trane hitting the fusion racks in any kind of possible future. Close to the edge, he was delving radically into free jazz, with enlarged solos or duo cut-backs (Ascension and Interstellar Space, the latter being an intimate meeting with drummer Rashied Ali). We can’t imagine Coltrane heading into rock or funk. His more likely direction would have been to seep in quietness and meditation, working more closely with Alice Coltrane, reflecting the softer stretches of Pharoah Sanders and his more global-ethnic works. Surely?

Here, we will consider descendant players who have clearly been shaped (often in a revelatory fashion) by Trane’s existence, but those who have also taken his core essence, to formulate approaches that, in their own way, continue his legacy via a non-mimicking path.

The New York tenorman Michael Brecker can easily be seen as a key channeler, with his fingering virtuosity, exhaustive stamina and his seeking of ever-higher planes of expression via duration. Brecker’s early work with Dreams, Steps Ahead, and the Brecker Brothers is not particularly where we’re looking, but rather his later concentration on acoustic settings, as his trajectory refined itself. One LP that explicitly deals with the John Coltrane legacy is Directions In Music: Live At Massey Hall (Verve, 2002), with Roy Hargrove, Herbie Hancock, John Patitucci, and Brian Blade. Much of the material stems from the Miles Davis repertoire, but there is a significant Trane-wedge included. “Impressions” is taken at a softly slow lounge pace, but it’s to complement “So What,” with which the reading is intertwined. “Naima” has just Brecker alone, for a long introductory embracing of the theme, gradually revealed, his tenor solitary for the entire seven minute performance. This is one of the best examples of Brecker’s continuance in the Coltrane vein. Then, “Transition” brings in the entire combo, delivering a straighter rush of hyperactive energy, Brecker mobilized entirely, Herbie in full flow afterward. The closing “D Trane” (penned by Brecker) opens with a tirelessly inventive tenor solo, surging through half of the fifteen minute performance, leaving Hargrove little choice but to pepper sensitively with his own following solo, although it doesn’t take the trumpeter long to rise up to a more crackling, volatile state, Hancock ultimately crowning the climax of this solo-led number. The audience went wild, repeatedly, even as they laid low in the mix. This number acts as a shining distillation of Trane’s aura. (Brecker can also be heard on the more recently released Naima (Live) album via Delta Music, once again investigatively interpreting its key tune in an a capella state.)

One rogue, teetering presence by Brecker (plus trumpeter and brother Randy) is on Zappa In New York (Discreet, recorded in 1976), the 1978 double live LP where the pair employ parpling electronics in a very imaginative manner that hasn’t dated, aligned with the limb-twisting complexities of “The Purple Lagoon,” an epic side-four instrumental. We can just about visualize Trane being captured by the twistings of this Zappa direction, but he probably wouldn’t have played on the opening “Titties & Beer.”

More recently, the Washington Heights alto saxophonist Lakecia Benjamin has dedicated an LP to the music of the Coltranes (both Alice and John, fairly equally), a recording which has been partly instrumental in massively expanding her audience. The 2020 Pursuance: The Coltranes (Ropeadope) featured several guest artists (as is the today way), adding but not distracting from the mission. The Coltrane readings breathed in infusions of their joint creative powers, grasping the aura and attitudes. There’s a notable funking-up of “Syeeda’s Song Flute,” with Keyon Harrold guesting.

Although known as a funkster (with her early albums and Soul Squad band), Benjamin was a regular member of Rashied Ali’s quintet around two decades back, connecting her directly to the Coltrane flow, gigging excitingly around NYC clubs such as the Jazz Standard. Through Ali, she began playing with the recently departed guitarist James Blood Ulmer (who lived just across the street from the sticksman), touring with him toward the end of his active playing life. Now, Benjamin is still including a funk section as the climax of her live sets, but her recent albums have been addressing a harder, faster, more extreme bunch of tunes, and an ever-escalating soloing prowess, pushing further and higher than many saxophonists dare. ...

It might be a touch of hyperbole to say the world wasn't ready for Swiss pianist Irène Schweizer's 1986 recording Piano Solo: Prelude To A Kiss And More. Yet listening to it some 40 years later, that may well be your first thought. Schweizer (1941—2024) had already established herself as a formidable improviser through recordings such as Wilde Señoritas (FMP, 1977) and Hexensabbat (FMP, 1978), both later remastered and reissued as a double CD by Intakt Records in 2002. She also recorded several solo projects, although most appeared after she had achieved the international recognition she deserved. Had listeners heard this live performance, recorded in Zürich on February 1, 1986, that recognition might have arrived much sooner.

Schweizer's music was remarkably fluent, bridging American jazz, European improvisation and African musical traditions. Her collaborations with South African musicians Abdullah Ibrahim and Louis Moholo-Moholo and European innovators Manfred Schoof and Gunter Sommer helped shape a musical language that was both expansive and deeply rooted. In 1984, she traveled to New York to immerse herself in the music surrounding the pre-and post-New Thing, absorbing the city's history while adding her own perspective. By the time of this Zurich performance, she had returned home as a fully formed artist, one whose music was thoroughly contemporary without severing its connection to jazz tradition.

The performance begins with two extended tour-de-force compositions/improvisations, "IAX—Been to America" and "Struggle on the V.G. Terrace." Schweizer moves effortlessly between dancing chamber music, passages resembling a highly organized Cecil Taylor, and echoes of George Gershwin. Throughout, fragments of Thelonious Monk surface like familiar landmarks. Monk is more than a reference point here; he is a musical interlocutor. Schweizer quotes, reshapes and challenges his language, sometimes with the piano prepared from within, sometimes while whistling along with her playing.

That dialogue becomes explicit in "Serious Fun," where Monk's fingerprints are scattered throughout Schweizer's own vocabulary. She then turns directly toward her source material with a luminous rendition of Monk's "Reflections." On "Once Again Thelonious," she combines "Work" and "Friday the 13th," transforming the compositions into a spirited conversation between her own improvisational language and Monk's unmistakable architecture.

"Dancing on the Bowery" similarly takes inspiration from Ornette Coleman's "Ramblin.'" Schweizer deconstructs Coleman's melody and rhythm, rebuilding it as a propulsive piece of chamber jazz. The music seems to carry the energy of New York without attempting to reproduce it, a memory of the city translated through Schweizer's own hands.

That idea reaches its most playful expression in the title piece, Duke Ellington's "Prelude to a Kiss." Schweizer brings New York to Zürich in an ingenious collision of past and present, performing Ellington's elegant ballad while a boombox plays a radio broadcast filled with announcements from the Big Apple. The effect is simultaneously humorous, poignant and revealing: the pianist is not merely playing American jazz; she is placing herself inside its history, listening across geography and time.

Piano Solo: Prelude to a Kiss and More ultimately sounds less like a document from 1986 than a message that somehow arrived early. Schweizer understood that jazz history was not a museum but a living conversation, one in which Monk, Ellington, Coleman, Taylor and others could be quoted, dismantled and reinvented. With extraordinary technique, humor and curiosity, she made that history her own. Forty years on, this performance doesn't sound like music the world wasn't ready for, it sounds like music that was waiting for the world to catch up.

https://www.allaboutjazz.com/piano-solo-prelude-to-a-kiss-and-more-irene-schweizer-intakk

https://www.publico.pt/2026/09/04/culturaipsilon/critica/americano-escavacoes-lisboa-2185589

New Digs, de Michael Formanek: um americano em escavações em Lisboa ("an American on excavations in Lisbon")

Nach zwei Studio- (2018, 2020) und einem Live-Album (2021) ist Kompress, die vierte Veröffentlichung dieses Trios – der Begriff fällt schwer – das wohl zugänglichste. Dabei beginnt (und schliesst) der Post-Free-Jazz dieses slowenisch-schwedisch-deutschen Trios wieder mit der ihm eigenen right-into-your-face-Attitüde. Kaja Draksler haut in ihrem «Yogen» in tiefer Lage ein Intervall aus Ligetis Musica Ricercata II heraus und zerstäubt es in weiteren Pianospuren; den Kurs hält Petter Eldh mit einem stumpfen 4/4-Bass-Riff, und Lillinger wieselt drumherum in einer Offbeat-Orgie metrischer Mehrdeutigkeiten. Im Finale dreht er in «VRT» (slowenisch für «Garten») ein Spieluhr-Thema auf in einem Affentempo – und lässt es mit einer Kette von Pianotrillern entschleunigen. Nicht alles hier ist hochtourig und hochverdichtet (Kompress), zwischendurch bleibt z.B. Raum für ein schwedisches Kirchenlied von 1589, für zwei fiktive Jazz-Standards, von denen «Mera Punkt» die Gemütlichkeit eines leicht verstimmten Clubklaviers durch Schnitttechnik quasi verwackelt. Das puristische Line-up ist reine Fiktion. Es kommt Studiotechnik zum Einsatz. In «EKV» löst jeder einzelne Beat eine riesige Hallfahne aus. Lillingers Snare Drum klingt ohnehin schon wie keine zweite auf der Welt – und das gilt auch für dieses «Jazzpiano»-Trio.

Die Band OM wurde 1972 gegründet und spielte bis 1982 hunderte von Konzerten und veröffentlichte eine ganze Reihe hervorragender Alben. Dann trat bis ins Jahr 2006 eine sehr lange Ruhephase ein, in dem OM erstmals wieder live auftrat und seither, allerdings in unregelmässigen Abständen, Konzerte bestreitet und seit 2008 auch wieder Alben veröffentlicht. 2022 feierte die Band gross ihr 50-jähriges Jubiläum und nahm im März in der originalen Besetzung mit Urs Leimgruber, Christy Doran, Bobby Burri und Fredy Studer ein Jubiläumsalbum auf, das vom Label Intakt Records im September veröffentlicht wurde. Kurz davor starb allerdings Fredy Studer im Alter von nur 74 Jahren. Die Band ging anschliessend auf eine lang geplante Album-Release-Europatournee, zu der zunächst Gerry Hemingway verpflichtet wurde, der für einige Konzerte durch Tony Buck ersetzt wurde. Die Chemie mit beiden Schlagzeugern funktionierte aber so gut, dass Leimgruber, Doran und Burri sich dazu entschlossen, fortan mit beiden Schlagzeugern als Quintett zusammen zu spielen. Das im Dezember 2024 aufgenommene neue Album Südpol stand leider unter keinem guten Stern, denn Urs Leimgruber war zu diesem Zeitpunkt schon schwer an Lungenfibrose erkrankt und nur unter grosser Atemnot in der Lage, Saxophon zu spielen. In die fünf Tracks des Albums legte aber Leimgruber trotz seiner Krankheit soviel Kraft und Energie in sein Spiel, dass das Album wie ein grosser Aufschrei wirkt und zum Teil stark an die Musik von Albert Ayler oder des Art Ensembles of Chicago erinnert. Überhaupt ist die gute Stunde Musik des Albums von einer Dichte und zugleich Freiheit, die den Hörer packt und mitreißt, wobei das kollektive Spiel miteinander im Vordergrund steht. Die Band selbst bezeichnet ihre Musik bekanntlich als «ElectroAcoustiCore» und sie ist genau das: im Kern elektrisch und akustisch zugleich. Bis auf «Gamelan» befinden sich die Stücke «Fast Line», «P-M-F/B», «A Frog Jumps In / Im Unterholz bei Kyjiv» und «Behind the Eye» alle auf dem Jubiläumsalbum OM 50, werden hier aber komplett neu interpretiert.

Der feierliche Tenor-Sound, der einen auf den ersten Sekunden des Albums empfängt, ist sein Markenzeichen. Er erinnert an die Unbedingtheit der alten Fire Music, des schwarzen Free Jazz, des Spiritual Jazz. James Brandon Lewis, Sohn eines Predigers, führt diese Spielweise in beeindruckenden Projekten weiter und verfeinert sie mit seinem kompositorischen Feingefühl und exzellenten Musikern, die seine Vision teilen. Omni ist bereits die sechste CD, die Lewis mit dem vorliegenden Quartett auf Intakt Records veröffentlicht. Auf einigen Stücken hat er sein kompositorisches Konzept der «Molecular Systematic Music» mit zwölftonigen Tonleitern erweitert. Das bleibt nie ein stures System, sondern setzt höchstens Ausgangspunkte für neue Verflechtungen oder Themen. Die Musik bleibt immer kraftvoll und verwandlungsfähig. Die Titel der neun Tracks weisen deutlich auf den spirituellen Background des Protagonisten, der sich auch in den musikalisch-energetischen Prozessen manifestiert: In den ekstatisch getriebenen Schüben von «Fire in my Bones», im bluesigen Urgrund von «Testify», in den melodischen Verkündungen und Aufschreien von «Call to Worship» und auch in den hymnischen Miniaturen von «Omnipotent», «Omniscient» und «Omnipresent», die das Album gliedern.

1986 war die Pianistin Irène Schweizer 45 Jahre alt und in einer musikalischen Hochphase. Immer noch befeuert von der Radikalität und der Power ihrer 1970er Free-Jazz-Jahre, öffnete sie sich der modernen Jazztradition (Monk) oder den südafrikanischen Einflüssen, deren so schwungvolle wie beseelte Themen sie im «Africana» gehört hatte. Diese eigenwillige Mischung, mit packender Energie aus den Tasten gehauen, hat nichts an Frische verloren, wie vorliegendes Album zeigt. Wir hören Irène Schweizer im Jahr 1986, zurückgekehrt von einem halbjährigen Aufenthalt in New York, bei einem Solo-Auftritt in Zürich. Im gleichen Jahr wurde sie zu einer Mitgründerin von Intakt Records, wo jetzt diese Live-Aufnahme aus Anlass des 40-Jahre-Jubiläums exklusiv veröffentlicht wurde. Der Schmiss und die Prägnanz dieser Pianistin verlieren auch im komplexeren Formen-Spiel der beiden 12- und 17-minütigen Eröffnungstracks nicht an Spannung. «Serious Fun» verfremdet Blues- und Ragtime-Material mit präparierten Tasten. Auf «Dancing on the Bowery» treffen die südafrikanisch geprägten Melodieriffs und Patterns auf bluesige Spuren und freies Spiel. «Reflections» (Thelonious Monk) ist die balladeske Verbeugung vor einem ihrer Vorbilder. Grossartig und stellenweise herzergreifend gerät ihre eigene Hommage «Once again Thelonious». Auf «Prelude to a Kiss» ehrt die frei improvisierende Draufgängerin mit bedachtem Spiel Duke Ellington. Das perkussive und akzentreiche Element von Schweizers Spielweise ist quasi das Hauptmotiv und die zentrale Energie dieses Albums. Die Pianistin durchläuft mit ihrem rhythmischen Drive immer wieder neue Versuchsanordnungen von Motiven und Figuren, die in sich schon Substanz und melodische Überraschungen bieten. Aber sie fügen sich gleichzeitig auch als scharf geschnittene Versatzstücke mit einem guten Vorwärtsdrang zu formbewussten Instant-Kompositionen. Solche Griffe in die Retrokiste lassen wir uns gerne gefallen. Sie machen uns bewusst, was für eine ausserordentliche Musikerin Irène Schweizer gewesen ist. Ihren kämpferischen Impetus und die Dringlichkeit ihrer Musik – sie bleiben bis heute spürbar.

Der Titel dieses Albums spiegelt wider, was diese unerhört kreative Musik einzigartig macht: Nicht das Gefestigte, Tradierte oder Virtuose und auch nicht das Wiederkäuen und Veredeln, sondern der Sprung ins Unbekannte und die Lust am Zusammenfügen von Sound-Elementen, Spielweisen und musikalischen Intuitionen. Dafür braucht es Vorstellungskraft, Mut, Ideen. Genau damit brilliert dieses Album, dieser Alexander Hawkins, der für Intakt Records schon so viele massgebende Werke in ganz verschiedenen Konstellationen aufgenommen hat. No Nation but Imagination ist sein «opus fantasticum». Ein Werk von sprudelnden Einfällen, futuristisch anmutenden Klangwelten, komplexen Schichtungen, poetischen Tönungen, schrägen Verbindungen. Akustische und elektronische Instrumente durchdringen sich. Das Miteinander von Harfe, Flöte, Sampler, Piano und Schlagzeug strotzt vor ungehörten oder schlicht bezaubernden Klangkombinationen. Alexander Hawkins, der hier als Instrumentalist «nur» einer unter vielen ist, hat die Studio- und Live-Aufnahmen, auf denen die Stücke basieren, in der Post-Produktion zu einem Werk geschweisst, das im zeitgenössischen Revier von Jazz und Impro eines der überraschendsten ist und einsam herausragt. No Jazz but Imagination!

Hacia un nuevo canon del jazz

Los álbumes de Brandon Lewis, Melissa Aldana, Joe Lovano, Joel Ross, Immanuel Wilkins y Miles Okazaki ilustran los sonidos que están definiendo el jazz contemporáneo en Norteamérica....

https://elpais.com/babelia/2026-08-29/hacia-un-nuevo-canon-del-jazz.html

Swiss saxophonist Co Streiff and American trumpeter Russ Johnson join forces once again on Oracle, a six-track date where both bring their imaginative, open compositions to the fore. 15 years after In Circles, the pair—backed by the cooperative rhythm team of bassist Christian Weber and seasoned drummer Gerry Hemingway (replacing Julius Sartorius)—is back in action. Despite the recording hiatus, the band got together in 2019, developing further ties that culminated in a 2023 tour.

Johnson’s “Horizontal Heartburn”, initially a vehicle for Hemingway’s balance of dry and wet toms and syncopated hi-hat pulsation, follows with dramatic shifts in urgency, tension, and release. A staccato-driven section pumped up with unison horn lines soon morphs into a lyrically conscious theme contoured by tone-center shifts. Johnson’s noble way of articulating phrases is substantiated over sturdy bass plucks, and the piece soon engages in marching steps, leading to a frantic final dance.

Streiff’s “Smithy Street” invites us to a funk-rock groove, perfectly suitable for measured avant-garde considerations. The saxophonist also contributes “Remember Little Feather”, a free-bop swing ride where she adds clever motifs, taking us to Ornette Coleman and Don Cherry. The tempo rises to double time for Johnson’s adrenaline-infused statement, with Hemingway stealing the spotlight at the end as he embarks on climactic rhythmic tapestries overflowing with interesting ideas.

While the final track, “Oracle”, offers a creatively bluesy atmosphere, Johnson’s “Sanguache” comes shrouded in a cool vibe enhanced by nonchalant parallel melodies and a strong, hi-hat-accentuated backbeat. This tune preserves its lyrical side even when the band makes a somewhat unexpected turn into rock. One of the strongest pieces consists of a combination of Streiff’s “In Circles”, first recorded on the previous album, and Johnson’s “Yellow Crane”. Warm bluesy colors, a breezy tone, and an uncluttered rhythmic texture emerge with a 3/4 feel. Weber’s excellent skills and attention to detail make the transition to the chamber-jazz painterliness of the second tune, which enters in reflection mode with foundational bowed bass maneuvers.

Oracle provides an effective sonic canvas, showcasing the distinctive chemistry between these two leaders and the depth of what they can create together.

https://jazztrail.net/blog/co-streiff-russ-johnson-quartet-oracle-album-review

James Brandon Lewis is one of the most dynamic saxophonists working today. Whether playing with a classical string quartet, as a member of The Mezzthetics (Fugazi’s rhythm section with guitarist Anthony Pirog), or making rock-jazz fusion albums, his output is uniformly strong and his bold saxophone voice is immediately identifiable. His quartet of pianist Aruán Ortiz, bassist Brad Jones, and drummer Chad Taylor represents the cutting edge of contemporary post-bop acoustic jazz. Omni is their latest of many albums for the Swiss label Intakt. “Testify” has all of the things I love about this group. From Lewis’s free jazz wail on the track’s opening salvo to his husky-toned blues shouting to his take on Coltrane’s sheets of sound, Lewis synthesizes nearly the entire tenor saxophone tradition while the rhythm section slowly churns out a groove I’ve not heard before. Ortiz, Jones, and Taylor give “The Sermon” a nasty swagger, “Call to Worship” sounds like its title, and “Line Upon Line” is a smash and grab job of furious saxophone blowing and banging piano clusters. Lewis’s quartet is already critically recognized as one of today’s top groups. I don’t think it’s hyperbole to say that it shouldn’t be long before Lewis and his quartet are considered to be of generational significance.

https://www.powmag.net/p/summer-jazz-roundup

Die amerikanische Jazz-Szene war für die Europäer immer eine ganz besondere Inspirationsquelle. Denn hier lag das Zentrum ihrer Musik, von dem aus sich sämtliche Stile und Strömungen entwickelten. Jedoch hatten einige Europäer schon in den 1960er Jahren ein etwas gespaltenes, ambivalentes Verhältnis zu dem Land der unbegrenzten Möglichkeiten. Grund waren die politischen Verhältnisse dort, speziell der Vietnamkrieg und die massiv unterdrückte Bürgerrechtsbewegung. Man begann in Westberlin, Paris, Amsterdam und auch in Zürich mit diesem Hintergrund sich in der Szene neu zu orientieren. Freie Formen des Jazz fanden einen stärkeren Bezug zu afrikanischer Musik, die zu jener Zeit durch Exilmusikanten wie Dollar Brand, Louis Mohole oder Dudu Pukwana in Mitteleuropa vertreten waren.
Als Irène Schweizer, die Princess des Europäischen Freejazz, im Februar 1986 von einem halbjährigen New York-Aufenthalt zurück nach Zürich kam, gab sie ein Solokonzert, in dem sie auf faszinierende Weise die (noch sehr frischen) US-amerikanischen Jazz-Eindrücke, mit der befreiten europäischen Spielweise ins Verhältnis setzte. Dieses Solokonzert, das damals mitgeschnitten wurde, liegt jetzt erstmals veröffentlicht als CD vor.
„Prelude To A Kiss And More“ ist eine Momentaufnahme mit Langzeitwirkung. Denn während des Auftritts offenbarte Irene Schweizer all jene Spielgedanken, aus denen sie in den folgenden Jahren immer wieder schöpfte und zugleich Ausgangspunkt für all ihre musikalischen Abenteuerreisen wurden. In ausgezeichneter Klangqualität beeindruckt die Pianistin mit ihrer Spontanität und einem tief verwurzelten Bluesverständnis, mit ihrem Verständnis für die europäische Moderne und zugleich mit abstrakten rhythmischen Phrasierungen, die an Duke Ellingtons Musik (von dem auch der Titelsong des Albums stammt) erinnern. Trunken vor Musikalität stolpert die Klavierspielerin durch Monk und Coleman, verknüpft die Musikgeschichte mit ihrer individuellen Lebensgeschichte.
Dieser Mitschnitt besticht durch sein herausforderndes Konstrukt, strahlt aber zugleich auch durch seine mitreißende, manchmal fast swingende Originalität. Irène zitiert mit kindlicher Naivität und beeindruckt zugleich mit ihrer geistigen Essenz. Aus Traditionellem und Modernen wird auf „Prelude To A Kiss And More“ Zukünftiges. Virtuos wie eh und je bringt Irène Schweizer selbst das Klavier zum schwitzen. Eine nach vier Jahrzehnten noch Maßstäbe setzende Aufnahme.

https://www.kultkomplott.de/Artikel/Musik/#article_anchor_4115

Honneur aux anciens ! OM, le quartette suisse des vétérans du free, se retrouve sur scène, toujours aussi “vert”, sauf que Freddy Studer leur a fait un faux-bon hélas sans retour, juste avant la séance prévue. Aussi Urs Leimgruber, Christy Doran et Bobby Burri l’ont-il remplacé par deux batteurs, Gerry Hemingway et Tony Buck. Or, malgré cet évènement douloureux, les musiciens sont en pleine forme, jouant avec un allant et une puissance qu’on n’avait peut-être pas assez apprécié dans leur disque précédent. En effet, la puissance du jeu (oserai-je dire la rage de jouer ?), les trouvailles, les écoutes, les répliques, les recherches, les emballements, le drive parfois affolant nous tiennent en haleine d’un bout à l’autre de leur prestation. Accueillez-là à bras ouverts, vous ne le regretterez pas.

https://www.culturejazz.fr/spip.php?article45999

En quelques années, le pianiste anglais Alexander Hawkins est devenu l’un des fers de lance de la brillante écurie Intakt. Après un magistral album solo, il nous surprend (comme à chaque fois) avec un nouveau disque qu’on ne sait pas par quel bout prendre. Pour arriver à ses fins conduites par une imagination débordante, il s’est entouré d’un groupe singulier comprenant un harpiste, Rhodri Davis, deux personnalités qu’on ne présente plus, la flûtiste Nicole Mitchell et le batteur Hamid Drake, et un ancien partenaire qui fait tourner les tables, Matthew Wright, lui-même combinant le piano (qu’on entend assez peu d’ailleurs) avec les instruments électroniques. Sur le papier, tout cela paraît désordonné. Or, le résultat est là : l’auditeur est sidéré, une fois de plus, par une cascade musicale inouïe, inclassable et bourrée de trouvailles – il avoue avoir bien écouté Sun Ra. Démarrée par un solo, Hawkins propose ensuite le déroulé de sa cueillette dont il fait des assemblages qui nous donnent le vertige. Assurément l’un des musiciens les plus étonnantes qu’on puisse entendre à l’heure actuelle.

https://www.culturejazz.fr/spip.php?article45999